Русская живопись первой половины XX века

В истории русского изобразительного искусства период, охватывающий конец XIX — начало XX века, именуется Серебряным веком. На переломе столетий значительную роль в художественной жизни России сыграла художественная организация «Мир искусства». Она возникла в 1898 году и объединила многих представителей российской художественной элиты того времени: А. Бенуа, М. Врубеля, И. Левитана и других. В начале XX века не менее значительную роль сыграла художественная группировка «Союз русских художников» (К. Коровин, А. Архипов, С. Виноградов и другие). Главным жанром в творчестве этих художников был пейзаж. Они являлись преемниками пейзажной живописи второй половины XIX века.

В 1910-х годах в русском живописном искусстве пышным цветом расцвел натюрморт. Художники
нового века стремились связать натюрморт — и сюжетно, и живописно — с окружающей средой. При этом одни мастера смело выносили «мертвую натуру» под открытое небо (на пленэр), а другие — гармонично соединяли ее с интерьером.

Дополняя эти традиционные для русской живописи жанры, в русском искусстве рождается и активно развивается такое явление, как авангард, неся с собой «жизнь, как она есть», «поэтику улиц», ломаный ритм современных городов… Возникают всевозможные «измы»: кубизм, футуризм, супрематизм, конструктивизм… Видными представителями авангарда были В. Малевич, В. Кандинский, М. Ларионов и другие. Создаются многочисленные группировки («Голубая роза», «Бубновый валет»…). Кто-то тяготеет к музыкальному звучанию колорита (Н.Д. Милиоти), кто-то пишет картины в стилистике лубочного гротеска (С. Судейкин), кто-то (П. Кончаловский, А. Лентулов и др.) в своем творчестве ориентируется на городской фольклор, а кто-то (группа конструктивистов: А. Родченко, В. Степанова и другие) ищут новые принципы конструирования жизненной среды.

Все эти новейшие течения начала века ставили Россию если не на первое, то на одно из ведущих мест в развитии мировой художественной культуры тех лет.

Дальнейшую судьбу русского искусства во многом определили события октября 1917 года. Они вызвали к жизни множество сложностей и противоречий. Однако не вызывает сомнения тот факт, что живопись советского периода является одной из ярких и интересных страниц в истории культуры России.

В 1922 году была создана Ассоциация художников революционной России (далее — АХРР) — объединение советских художников с центром в Москве. Организаторами АХРР были художники Е. Кацман, П. Радимов, Б. Яковлев и другие. В Декларации АХРР говорилось: «Наш гражданский долг перед человечеством — художественно-документальное запечатление величайшего момента истории в его революционном порыве. Мы изобразим сегодняшний день: быт Красной Армии, быт рабочих, крестьянства, деятелей революции и героев труда…».

Обязательным методом отражения реальности в советское время считался метод социалистического реализма, который требовал от художника «правдивого, исторически конкретного изображения действительности в ее революционном развитии».
Активным пропагандистом социалистического реализма был Митрофан Борисович Греков (1882—1934). Он учился в Петербургской Академии художеств в мастерской И.Е. Репина, затем перешел в батальную мастерскую Ф.А. Рубо. Во время учебы участвовал в работе над знаменитыми панорамами своего педагога — «Оборона Севастополя» и «Бородинская битва».

После 1917 года Греков некоторое время работал учителем в Новочеркасске, где создал свою первую живописную серию, посвященную разгрому белогвардейцев («Корниловцы», «Отверженные. Отступление корниловцев»). Вслед за этим художник написал полотно «Вступление полка имени Володарского в Новочеркасск». Героем всех этих картин выступает не конкретная личность, а «массы», вооруженный народ. В 1923 году художник написал картину «В отряд к Буденному», которая понравилась военному руководству Красной Армии. Вдохновленный этим, живописец решает создать цикл картин о Первой Конной. В 1920-х годах Греков написал такие полотна, как «Взятие Новочеркасска», «Кавалерийская атака», «Отряд Буденного в 1918 году», «Бой за Ростов под Большими Салами», «И.В. Сталин и К.Е. Ворошилов в окопах Царицынского фронта»… В эти же годы Греков создает свою самую известную картину «Тачанка. Пулеметам двигаться вперед!», которая стала своеобразным символом Гражданской войны.

Начало 1930-х годов — время расцвета батальной живописи Грекова. Он пишет такие картины, как «Тачанка (Выезд на позиции)», «Знаменщик и трубач», «Трубачи Первой Конной» и другие.

В 1930 году, после реорганизации Ассоциации художников революционной России, Грекову принадлежала одна из ведущих ролей в создании Союза советских художников. В эти годы живописец начинает развивать идею, связанную с тематическими передвижными выставками, диорамами и панорамами. В 1934 году Греков приступает к работе над первой советской панорамой «Перекоп», но закончить эту работу ему было не суждено: в том же году он скоропостижно скончался, прожив всего лишь 52 года.

Прижизненным классиком советского искусства стал Юрий Иванович Пименов (1903—1977). Его творческая деятельность была многосторонней: он писал картины, занимался монументальным искусством, работал в станковой графике, в области иллюстрации, создавал плакаты и афиши, был художником театра, кино и телевидения, пробовал себя в скульптуре.

Образование Пименов получил на графическом факультете Высших художественно-технических мастерских (далее — ВХУТЕМАС) в мастерской В.А. Фаворского. В 1925 году он стал одним из организаторов Общества станковистов (ОСТ). «Заводская архитектура, подъемные краны — все самоновейшее, самонаисовершенное — это было страстью моей», — вспоминал Пименов.

«Даешь тяжелую индустрию!» — так назвал он свою картину 1927 года, на которой мы видим рабочих на фоне паровозов. Впрочем, к 1930 годам паровозы исчезают из творчества Пименова, он начинает писать женские портреты («Портрет Л.А. Ереминой»), а также подмосковную природу. «Я хочу сделать лирическое и нарядное искусство», — говорил он, и слова его не расходились с делом. На картине «Новая Москва» мы видим прекрасную незнакомку, которая ведет открытый автомобиль по центру столицы; мы видим ее руки на рулевом колесе, гвоздики у ветрового стекла… (Интересно, что эту же самую композицию художник повторил в 1944 году, но уже в декорациях военного времени.)

Пименов был одним из немногих художников, воспевших красоту «молодой» Москвы 1960-х годов. Он изображает неустроенный быт обитателей московских новостроек («Свадьба на завтрашней улице», где по дощатому настилу идут молодожены; «Первые модницы нового квартала», где юные девушки переходят грязь по трубам). Любование городским бытом останется в творчестве Пименова до его последних дней.

Талантливым живописцем, чьи полотна можно сравнить с бравурной музыкой И.О. Дунаевского, был Александр Александрович Дейнека (1899— 1969). Почти все произведения Дейнеки будто переполнены кипучей энергией и молодым задором. Дейнеке были чужды пассивность и созерцательность.

Он учился на полиграфическом факультете ВХУТЕМАСа. В 1920-е годы работал в плакатной и журнальной графике (в журналах «Безбожник у станка», «Прожектор» и других). В 1928 году, к 10-летию Красной Армии, Дейнека пишет свое первое художественное полотно «Оборона Петрограда».

К теме Гражданской войны художник обращается и в тридцатые годы в таких картинах, как «Наемники интервентов» и «На допросе». Но все же основными героями его полотен в эти годы были современные ему люди. Большое внимание в картинах Дейнеки уделялось спорту. Спортсмены на полотнах художника — это воплощение силы, здоровья, радости… Словом, «в здоровом теле здоровый дух». Персонажи Дейнеки — подтянутые и энергичные юноши и девушки (картина «Эстафета по 
кольцу “Б”», и мозаика «Лыжники», и скульптура «Бегущая спортсменка»).

В эпоху рассвета творческого гения художника основными персонажами его полотен были все те же молодые его современники. Дейнека пишет такие картины, как «Игра в мяч», «Купающиеся девушки», «Бег». Дейнека много ездит по стране, и результа том его творческих командировок становятся все новые и новые картины («Перед спуском в шахту», «На стройке новых цехов», «Текстильщицы»). Особенное значение в творчестве художника имели его поездки в Крым. Именно там он написал свое известное полотно «Будущие летчики». Ездил Дейнека и за границу — в Америку, Францию, Италию (картины зарубежного цикла: «Улица в Риме», «Тюильри», «Негритянский концерт» и другие).

Новый этап в творчестве художника был связан с мозаикой. Дейнеке предложили выполнить мозаичные плафоны для станции метро «Маяковская» в Москве. Художник с блеском справился с этим заданием, исполнив тридцать пять мозаичных работ.

В годы Великой Отечественной войны Дейнека написал такие полотна, как «Оборона Севастополя», «Окраина Москвы. Ноябрь 1941 года». Вслед за этими картинами появляется еще целый ряд произведений («Тревожные ночи», «Сбитый ас» и другие). В 1941—1946 годах Дейнека создал серию «Москва военная» («Площадь Свердлова в декабре 1941 года», «Вечер. Патриаршие пруды. 1941 год», «Танки идут на фронт» и другие). В 1945 году художником была исполнена акварель «Берлин в день подписания декларации».

После войны Дейнека снова обращается к изображению мирных будней страны («Донбасс», «На просторах подмосковных строек», «Тракторист» и другие). Пишет Дейнека и пейзажи (например, «Под Курском. Река Тускорь»).

Последние годы жизни художник посвятил монументальному искусству. Он расписывает Челябинский театр оперы и балета, делает мозаики для здания Московского университета, оформляет павильон СССР на Международной выставке в Брюсселе. В 1964 году за серию мозаик «Люди страны Советов» («Хорошее утро», «Хоккеисты», «Доярка», «Красногвардеец») Дейнека получил Ленинскую премию.

До конца жизни замечательный художник оставался верен теме молодости и спорта. Незадолго до смерти он написал картину «Юность» — светлое, оптимистическое полотно: юная спортсменка стремительно преодолевает высоту установленной планки.

Близким Дейнеке по духу и манере творчества был художник Александр Николаевич Самохвалов (1894—1971). «Я художник, живущий взволнованной эмоциональной жизнью современности», — говорил он о себе.

Творческий путь художника начался в 1919 году, когда он поступил в Петрограде в мастерскую К.С. Петрова-Водкина. В 1921 году Самохвалов вместе со своим учителем совершил путешествие в Самарканд, откуда вернулся уже вполне сложившимся художником, о чем говорят его картины самаркандского периода («Шах-и-Зинда», «У источника. Самарканд», «Бессонница» и другие).

Но излюбленной темой в творчестве Самохвалова стали не восточные мотивы, а образы советских девушек — радостные, полные молодого задора и огня: «Портрет маслодела Марии Ивановны Голубевой», «Девушка с граблями», «Осоавиахимовка», «Спартаковка», «Физкультурница с букетом»…

Наиболее известное произведение этого ряда, конечно же, «Девушка в футболке». Моделью художнику послужила учительница Евгения Петровна Адамова. Картина имела огромный успех — и не только в России, но и в Париже, где в 1937 году на Международной выставке была отмечена золотой медалью. Тогда же за панно «Советская физкультура», выполненное для советского павильона, и за иллюстрации к «Истории одного города» М.Е. Салтыкова-Щедрина Самохвалов получил два Гран-при Международной выставки.

Были у художника и чисто официальные полотна («С.М. Киров принимает парад физкультурников», «Появление В.И. Ленина на Всероссийском съезде Советов», «С.М. Киров и И.В. Сталин на Волховстрое» и другие), были и чисто личные, например, серия портретов жены, были и пейзажи («Аллея Керн» и другие).

Умер художник в Ленинграде, где его похоронили.

Говоря о русской живописи первой половины XX века, нельзя не рассказать о таком крупнейшем художнике, как Аркадий Александрович Пластов.

Он родился в деревне Прислониха Симбирской губернии. В Москве, куда его привела тяга к искусству, ему не сразу удалось поступить в Училище живописи, ваяния и зодчества, произошло это лишь через два года. Октябрьские события застали Пластова на третьем курсе. Ни о какой учебе, конечно же, больше не могло быть и речи. И начинающий художник вернулся в родную Прислониху. Здесь его избрали в сельсовет, затем в комитет бедноты, дали земельный надел… И Пластов начал «жить-поживать» вполне по-крестьянски, впрочем, не бросая и занятий живописью… В 1931 году у Пластова случилось самое большое несчастье, которое только может случиться с художником, — во время пожара сгорели все его работы. Пластову было к тому времени без малого сорок лет. Пришлось начинать все сначала. И он начал. И еще через сорок лет число его произведений приблизилось к десяти тысячам.

В ряд выдающихся русских художников Пластова поставили его лирические работы. Например, «Весна» — молодая женщина на минуточку выбежала из бани, чтобы укутать маленькую дочку. На полотне мастерски переданы прозрачность воздуха, красота обнаженного женского тела… В дальнейшем Пластов создал много картин, исполненных радостного отношения к окружающему миру. К таким картинам относятся и «Лето», и «Полдень», и портреты колхозников и колхозниц, деревенских мальчишек и девчонок («Девушка с велосипедом», «Девушка с граблями», «Ванюшка Репин» и другие).

Умер замечательный художник А.А. Пластов там же, где и родился, — в деревне Прислониха.

Не менее замечательным художником советского времени был Павел Дмитриевич Корин (1892—1967).

Будущий живописец Корин родился в знаменитом селе Палехе в семье потомственных иконописцев. Учился в иконописной школе в Палехе, окончил ее со званием мастера-иконописца. Затем учился в Училище живописи, ваяния и зодчества у К.А. Коровина и Л.О. Пастернака. В 1911 году перебрался в Москву, где стал помощником М.В. Нестерова в работе над росписью церкви Марфо-Мариинской обители.

Корин специально поступил на работу в анатомический театр Московского университета, чтобы изучить анатомию человека. «Я должен знать архитектуру человека, — писал художник, — его пропорции, костяк и мускулатуру, те незыблемые, вечные законы его построения, тот абсолют его архитектуры, которые так хорошо знали великие мастера прошлого».

Первые послеоктябрьские годы Корин занимался преподавательской деятельностью, создавал плакаты, рисовал вывески… В 1923 году он вместе со своим братом совершил путешествие по Северу — посетил Вологду, Новгород, Ферапонтов монастырь… Изучал там росписи в церквях, делал зарисовки церковной утвари…

В 1925 году Корин нашел свою главную тему. Весной того года умер патриарх Тихон, и художник задумал изобразить крестный ход во время похорон патриарха. Он начал делать подготовительные этюды к картине, которую назвал «Реквием». Одновременно с этим Корин создает первую свою крупную работу — пейзаж «Моя родина» (вид на Палех издали). Позднее им были созданы такие шедевры, как «Юродивый», «Слепой», «Отец и сын». 

По заказу Комитета по делам искусства Корин создал галерею выдающихся деятелей русской культуры: художника М.В. Нестерова, актера В.И. Качалова, пианиста К.Н. Игумнова, чуть позднее — художников М.С. Сарьяна, Кукрыниксов и другие.

Во время Великой Отечественной войны Корин создает триптих, посвященный Александру Невскому. Центральная часть его изображает прославленного русского полководца в шлеме и с огромным мечом в руках. После войны, в 1948 году, Корин написал портреты маршалов Г.К. Жукова и Ф.И. Толбухина.

В последние годы жизни Корин задумал большой триптих, изображающий прошлое Древней Руси, но успел написать только его центральную часть; сюжет художник взял из летописного рассказа о Данииле Галицком, раненном в грудь в битве на Калке.

«Певцом родной природы» назвал писатель К. Паустовский замечательного русского живописца Николая Михайловича Ромадина (1903—1987). Сам же художник писал о себе так: «Моя любовь к природе, ко всем этим веточкам, елочкам, глухому лесу, тихой воде, бурно-весеннему щебетанью воробьев, карканью ворон, крику сороки и вечно-вечному журчанью ручья наполняет мое сердце смыслом сущего…».

Н.М. Ромадин учился в Москве во ВХУТЕМАСе, в 1929 году вступил в АХРР. Написал такие картины, как «Интервенция», «Прифронтовой ревком», задумал большое полотно «Чапаев», для которого ему позировал сын Чапаева.

Ромадину нравилась жизнь большого города, сам он был человеком франтоватым, с «шиком» носившим шляпы, перчатки и галстук. Эта привычка сохранилась у него на всю жизнь (по воспоминаниям его сына, тоже ставшего впоследствии замечательным художником, Ромадин даже в дремучем лесу работал в галстуке и белой рубашке). И кто знает, как бы сложилась судьба талантливого живописца, если бы персональную выставку Ромадина не посетил М.В. Нестеров. Великий художник внимательно осмотрел все картины и посоветовал Ромадину писать исключительно пейзажи.

Мудрый совет Нестерова стал решающим в жизни Ромадина.

По воспоминания сына, Ромадин разрезал и сжег все свои жанровые холсты, находившиеся в мастерской. Из его искусства напрочь исчезло всякое глубокомыслие жанровых картин. Художник полностью «уходит в пейзаж», причем этот пейзаж — без всяких примет цивилизации. Вскоре появляется его пейзажный цикл: «Волга — русская река». (Позднее Ромадин придаст своим картинам несколько сказочный оттенок: «Берендеев лес», «Затопленный лес».) Далее художник пишет серию «Четыре времени года», картины «Весенний воздух», «Весенние заморозки»… Эти волшебные полотна по праву считаются шедеврами русской живописи, что ставит имя Ромадина в один ряд с именами великих русских пейзажистов — Поленова и Левитана.

Витольд Каэтанович Бялыницкий-Бируля (1872—1957) за свою долгую творческую жизнь написал более тысячи картин и этюдов. Писал художник в основном лирические пейзажи, продолжая и развивая традиции русского лирического пейзажа конца XIX века.

Родился талантливый живописец в селе Крынки близ Белыничей (ныне Могилевская область в Белоруссии) в семье помещика. Сначала учился в Киевской рисовальной школе, затем в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где одним из его преподавателей был В.Д. Поленов. В 1908 году за картину «Дни ранней весны» Бялыницкий-Бируля получает звание академика живописи. А в 1909 году художник удостаивается золотой медали Международной художественной выставки в Мюнхене за картину «Час тишины. Озеро Удомля». Наиболее известные его полотна начала века: «Зимний сон», «Вечные снега», «Весна». О последней картине И.Е. Репин писал Бялыницкому-Бируле: «Я так привык освежаться душой перед Вашими живыми веяниями правды, простоты и свободы».

После событий 1917 года В.К. Бялыницкий-Бируля продолжает развивать свой любимый жанр русского лирического пейзажа («Лед прошел», «Задумчивые дни осени»). Художник пишет и «мемориальные пейзажи», то есть запечатлевает на полотнах места, связанные с жизнью и деятельностью выдающихся деятелей культуры: это серии картин с видами Ясной Поляны, Пушкинских Гор, усадьбы П.И. Чайковского в Клину.

В 1930-е годы Бялыницкий-Бируля совершает поездки в Заполярье, где пишет полотна, проникнутые величием и суровостью северной природы. С этими его работами контрастируют другие полотна мастера, написанные в средней полосе России, с нежным колоритом и столь же нежными названиями: «Весенняя травка», «Серенький денек» и другие.

Летом 1947 года художник пишет ряд пейзажей Белоруссии, с природой которой он был хорошо знаком с самого детства (например, «Белоруссия. Вновь зацвела весна»).

Кисть Бялыницкого-Бирули легка и лирична, картины-пейзажи светлы и поэтичны. Особенно любил художник писать раннюю весну — пробуждение природы к новой жизни.

Творческая жизнь Бялыницкого-Бирули сложилась в целом удачно. А вот личная жизнь, в отличие от его полотен, была окрашена не в лирические, а в трагические тона. Жена художника рано умерла от чахотки, а дочь утонула, купаясь в озере. Это, конечно же, не могло не отразиться на здоровье Бялыницкого-Бирули — последние свои вещи он писал, будучи уже тяжело больным человеком. Но даже эти его картины столь же поэтичны и светлы, как светла и поэтична ранняя весна, которую художник так проникновенно изображал на своих полотнах и любовь к которой пронес через всю свою жизнь.
Поистине незаурядным было творчество еще одного художника советской эпохи — Николая Михайловича Чернышева (1885—1973). Чернышев был и живописцем, и графиком, и монументалистом, и педагогом, и автором трудов, посвященных технологии фресковой живописи… В начале своего творческого пути Чернышев учился у К.А. Коровина, был участником легендарной группы «Маковец», попробовал все стили и формы в поисках собственной темы и языка. Его рисунки к «Мифологической азбуке» критика назвала «чудом графической поэзии».

В середине двадцатых годов Чернышев обретает свою тему, благодаря которой его картины узнаются с первого взгляда. Вот как определил ее сам художник: «Мой основной жанр — девочки-подростки в очаровании переходного возраста от детства к девичеству, полные строгости, чистоты и грации, спорящей с красотой антиков, но сами еще не осознающие своей красоты». В эти годы Чернышевым был создан целый ряд пленительных девичьих образов — хрупких, чистых, нежных… («Девочка с козленком», «Белье полощут», «Заплетает косу»). Героини полотен художника тонки и угловаты, но именно в этом он видит особую духовность девичьего образа, что помогает его творческому воображению проводить параллели с древнерусскими церковными росписями.

Помимо поэтических образов девочек-подростков, Чернышева привлекала теория и практика монументального искусства. Занимался художник и пейзажной живописью. Обращался он также к автопортрету, да и просто портрету, изображая близких ему по духу людей. Кроме того, Чернышев глубоко изучил древнерусскую живопись, в результате чего им были написаны две книги: «Техника стенных росписей» и «Искусство фрески в Древней Руси». В конце 1950-х годов Чернышев обратился к мозаике (мозаичная композиция «Девочка с голубем»). 

За что бы ни брался замечательный художник, везде он достигал замечательных результатов. Время словно было не властно над мастером. Одинаково прекрасны и классический портрет писателя Кнута Гамсуна, написанный Чернышевым в 1913 году, и самаркандские пейзажи, созданные художником уже в 1940-х годах в эвакуации.

Когда Чернышеву исполнилось 75 лет, он решил написать цикл работ «Мастера московской школы». И энергично взялся за дело, создавая образы Андрея Рублева, Даниила Черного, Алипия Печерского.

Судьба подарила художнику долгую жизнь, он прожил 88 лет. Одна из последних записей в дневнике Чернышева гласит: «Жизнь моя затянулась как будто для того, чтобы я испытал все стадии бед и удач, горького несчастья и беспредельного счастья, нищеты и неожиданного богатства на закате, когда начали угасать последние лучи света…».

А в одной из своих рукописей Чернышев написал: «Душа художника — словно эолова арфа. Надо чутко прислушиваться к хаосу звуков, чтобы найти один созвучный себе. И искать его надо не ради оригинальности, а для выявления своих образов, своих эмоций, из которых складывается лицо художника».

Под этими словами Чернышева вполне мог бы подписаться и другой выдающийся русский художник — Николай Петрович Крымов (1884—1958).

Когда Крымов учился всего лишь на втором курсе Училища живописи, ваяния и зодчества, его этюд «Крыши под снегом» был приобретен Третьяковской галереей. К моменту окончания училища в 1911 году, Крымов был уже известным художником. Первыми его картинами стали «Солнечный день», «Снегири», «После весеннего дождя». Крымов любил писать воду и отражения в ней. А любимыми художниками Крымова были И.Е. Репин и И.И. Левитан, что, в конечном счете, и определило дальнейшее развитие Крымова именно как художника реалистического направления.

В 1926 году Крымов сформулировал свою известную теорию «общего тона»: суть живописи не краска, а именно тон. В качестве примера Крымов приводил горящую спичку на фоне освещенной солнцем стены. Опираясь на свою теорию, художник написал множество прекрасных пейзажей («Вечер в Звенигороде», «Пейзаж. Летний день», «Домик в Тарусе», «Перед сумерками», «Вечер»).

В начале двадцатых годов художник все летние месяцы живет и работает под Москвой, в Звенигороде. Именно в это время у него появляется тема русской деревни («Русская деревня», «Вечер в деревне»).

Последний период жизни и творчества Крымова связан с Тарусой. В полотнах тарусского периода тонко схвачена жизнь маленького городка. И, конечно же, во многих тарусских пейзажах Крымова присутствует красавица Ока («Поленово. Река Ока», «Вечер», «Перед сумерками» и другие).

Со второй половины тридцатых годов художник, будучи уже больным человеком, вынужден работать дома. Из окон его московской квартиры, расположенной на четвертом этаже, видны крыши старых московских особняков. И художник создает целый цикл полотен под условным названием «Крыши», в который входят такие произведения, как «Зима. Крыши», «Крыши под снегом» и другие. Из-за болезни художнику и в Тарусе приходилось довольствавоваться только видами, открывавшимися из окна его мастерской. Так были написаны полотна «Жаркий день», «Таруса. Сарай» и другие.

На протяжении трех десятилетий, в двадцатые-сороковые годы, ведущим баталистом СССР был Михаил Иванович Авилов (1882—1954). Он в качестве вольнослушателя учился в Академии художеств, где его учителями были известные русские баталисты Ф.А. Рубо и Н.С. Самокиш. В годы учебы Авилов также проявлял интерес и к исторической живописи. Его дипломной работой в Академии стала картина «Царевич Иван на прогулке». Еще в студенческие годы Авилов начал принимать участие в выставках Академии.

После 1917 года художник жил в Тюмени, занимаясь оформлением города во время праздников. В 1921 году вернулся в Петроград, в 1923 стал членом АХРР Тогда же он приобретает известность как баталист. Наиболее известные его работы — «Рабочие привозят Пугачеву пушки», «Прорыв польского фронта армией Буденного в 1920 году», «Сибирские партизаны». Самым значительным произведением Авилова является работа «Поединок на Куликовом поле», в основу которой положено предание о поединке двух богатырей перед знаменитой битвой. Художнику удалось передать психологически яркие образы противников и напряженность поединка.

Говоря о советской живописи XX века, нельзя не упомянуть и о таком интересном явлении в нашем изобразительном искусстве, как Кукрыниксы. Кукрыниксы — это псевдоним, состоящий из первых слогов фамилий трех талантливых живописцев: Михаила Васильевича Куприянова (1903—1991), Порфирия Никитича Крылова (1902—1990) и Николая Александровича Соколова (1903—2000). Этот творческий коллектив занял заметное место в русском искусстве и получил, без преувеличения, всемирную известность.

Художники, еще до того как стать Кукрыниксами, учились в московском ВХУТЕМАСе—ВХУТЕИНе, во время работы над стенной газетой которого и сложилось их творческое содружество. Начиная с двадцатых годов Кукрыниксы выступали как иллюстраторы. Ими были проиллюстрированы произведения Ильфа и Петрова «12 стульев» и «Золотой теленок», позднее «Дама с собачкой» и другие произведения А.П. Чехова, а также романы «Мать» М. Горького и «Дон Кихот» Сервантеса.

В конце двадцатых — начале тридцатых годов Кукрыниксы выпустили несколько альбомов с карикатурами на писателей (также рисовали они карикатуры и на бытовые темы). С 1933 года художники — постоянные карикатуристы газеты «Правда». В том же, 1933 году Кукрыниксы исполнили серию «Лицо врага» — цикл карикатур на белогвардейских генералов. Отечественная война дала художникам темы для больших картин: «Таня», «Бегство фашистов из Новгорода», «Конец». В последней картине предпринята попытка совместить жизненное изображение с карикатурным.

В годы войны наряду с карикатурами Кукрыниксы выпустили ряд плакатов, самый известный из которых — плакат 1941 года «Беспощадно разгромим и уничтожим врага!» с карикатурой на Гитлера.

После войны Кукрыниксы «ударили по бракоделам и взяточникам».

«Наш коллектив, по правде говоря, состоит из четырех художников: Куприянова, Крылова, Соколова и Кукрыниксы», — писали они. И это было правдой: каждый из них работал и самостоятельно, преимущественно в пейзажной живописи.
За политические карикатуры и плакаты Кукрыниксы были удостоены Сталинской премии в 1942 году и Ленинской премии в 1965 году.

Судьба подарила Кукрыниксам жизненное и творческое долголетие. Самый последний из Кукрыниксов — Н.А. Соколов — скончался в 2000 году, прожив 97 лет. До последних дней своей жизни он продолжал работать.

Пожалуй, самым именитым художником советского времени являлся Александр Михайлович Герасимов (1881—1963). Он был действительным членом Академии художеств СССР, доктором искусствоведения, четырежды лауреатом Сталинской премии, председателем правления Московского отделения Союза художников, председателем оргкомитета Союза советских художников. Когда в 1947 году была создана Академия художеств СССР, А.М. Герасимов стал ее первым президентом.

Начало творческой деятельности Герасимова относится к 1903 году, когда он поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Его наставником был крупнейший русский живописец К.А. Коровин. В 1915 году Герасимов окончил училище со званием художника 1-й степени и архитектора. В период обучения он занимался главным образом пейзажной живописью («Рожь покосили», «Белеет ночь»). После октябрьских событий Герасимов в своем родном Козлове (ныне Мичуринск) участвует в создании праздничного убранства города в честь различных революционных торжеств. В 1925 году художник возвращается в Москву и вступает в АХРР.

Герасимов — автор обширнейшей ленинианы («В.И. Ленин на трибуне», «Выступление В.И. Ленина на пленуме Моссовета 20 ноября 1922 года»). Как писала пресса прошлых лет, «художник воссоздал полный революционного пафоса героический образ В.И. Ленина — народного трибуна, пламенного борца, вождя революции, ведущего за собой народ…». Не раз обращался Герасимов в своем творчестве и к образу Сталина («Выступление И.В. Сталина на XVI Съезде партии», «И.В. Сталин делает отчетный доклад на XVIII Съезде ВКП(б) о работе ЦК ВКП(б)»). Есть у Герасимова портреты и других государственных и общественных деятелей. А, что называется, «для души» художник писал лирические этюды, такие как «Деревенская баня» и другие.

Выдающимся советским живописцем был и Исаак Израилевич Бродский (1883—1939). В юности он учился в Одесском художественном училище.

В 1902 году поступил в Петербургскую Академию художеств, где занимался в мастерской И.Е. Репина. Одаренный художник быстро нашел свое место в искусстве как пейзажист. К числу лучших работ Бродского начала века относятся такие работы, как «Опавшие листья», «Зима», «Летний сад». В 1910 году Бродский, живя на Капри у М. Горького, пишет его портрет. По возвращении на родину художник участвует в выставках передвижников, Академии, Союза русских художников…

Бродский является одним из основоположников ленинианы в советской живописи. Первой работой Бродского, посвященной Ленину, стала картина «В.И. Ленин и манифестация», затем художником были написаны такие полотна, как «В.И. Ленин на фоне Кремля», «В.И. Ленин на фоне Волховстроя», «Выступление В.И. Ленина на Путиловском заводе» и, наконец, «В.И. Ленин в Смольном» — самое известное полотно ленинианы Бродского. Писал Бродский и портреты Сталина. Кроме живописных портретов Сталина 1928, 1933 и 1937 годов, художник создал еще и серию графических портретов. Исполнил Бродский и большое количество портретов ряда руководителей страны того времени (Л.М. Кагановича, А.А. Жданова и других).

К наиболее значительным полотнам Бродского относится большая картина «Торжественное открытие II Конгресса Коминтерна», на которой изображено 150 персонажей! Не менее значительна и другая картина мастера — «Расстрел 26 бакинских комиссаров».

Бродский был одним из первых художников, награжденных орденом Ленина. В течение ряда лет он возглавлял Всероссийскую академию художеств.

Живописцем, творчество которого идеально соответствовало принципам социалистического реализма, был Борис Владимирович Иогансон (1893—1973). Картины его считались образцово-показательными в советской живописи. Учился он в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Очень быстро нашел свое место в АХРР. Писал панорамы строек («На борьбу с разрухой», «Постройка Земо-Авчальской гидроэлектростанции»), создавал картины о новых порядках («Советский суд», «Рабфак идет (Вузовцы)»). Лучшей работой Иогансона считается картина «Допрос коммунистов».

В 1937 году художник создал полотно «На старом уральском заводе», за которое получил Сталинскую премию (картина написана не без иронии — в роли злодея-заводчика Иогансон изобразил художника А.М. Герасимова). Не обошел стороной Иогансон и образы Ленина и Сталина. В 1940 году появляется его картина «В.И. Ленин и И.В. Сталин — вожди Октября». В 1950 году Иогансон совместно с группой молодых художников (это была реализация так называемого «бригадного метода»: подмастерья пишут, затем мастер проходится по готовому полотну своей умелой кистью) создает большую картину «Выступление В.И. Ленина на III Съезде комсомола».

В 1951 году Иогансон был назначен директором Государственной Третьяковской галереи. Одно время занимал он пост и президента Академии художеств СССР.
 

Еще одним известным художником, работающим в стиле социалистического реализма, был Владимир Александрович Серов (1910—1968). В творчестве Серова историко-революционная тема была основной. Учился он в Академии художеств, в аспирантуре у И.И. Бродского. Наиболее известная работа Серова — «Зимний взят». Серов являлся и автором обширной ленинианы: «Приезд В.И. Ленина в Петроград в 1917 году», «В.И. Ленин в штабе Петроградского военного округа», «В.И. Ленин на съезде моряков», «В.И. Ленин провозглашает Советскую власть».

Помимо ленинских образов, Серов создавал героические образы советского человека («Последний патрон», «Балтийский десант» и другие). Значительное место в творчестве Серова занимал и портрет («Портрет редактора партизанской газеты М.Г. Абрамова», «Портрет народного артиста СССР М.О. Рейзена» и другие). Писал художник также своих родных («Портрет матери», «Портрет жены», «Портрет дочери в розовом»). Писал пейзажи («Горки Ленинские Зимний деньс», «Тропинка в березовом лесу» и так далее). Занимался созданием и книжных иллюстраций (поэма Н.А. Некрасова «Кому на Руси жить хорошо»), выполнил серию рисунков к «Слову о полку Игореве».

В последние годы жизни Серов продолжил свою лениниану. Работал над картиной «В.И. Ленин с рабочими». Но полотно осталось незаконченным. Впрочем, центральный образ картины — образ Ленина — художник все же успел завершить.

Приверженцем социалистического реализма был еще один ученик И.И. Бродского в Академии художеств — Александр Иванович Лактионов (1910— 1972). Он написал множество тематических картин (например, «На новую квартиру», «Обеспеченная старость»), а также множество парадных портретов (И.И. Бродского, В.И. Качалова и других). Но лучше своего шедевра «Письмо с фронта», написанного в 1947 году, Лактионову так и не суждено было создать. «Письмо с фронта» — это действительно шедевр: картина буквально наполнена солнцем, его лучи пронизывают и небо, и воздух, и волосы девушки…

В период индустриализации (тридцатые годы) советское изобразительное искусство приобретает особый характер. Во многих жанрах, и в частности — в пейзаже, происходят изменения. В начале тридцатых годов начинает развиваться так называемый индустриальный пейзаж — на картинах мы видим строительство заводов, фабрик, гидростанций… Одним из зачинателей этого жанра был Григорий Михайлович Шегаль (1889—1956). В 1912 году Шегаль поступил в Рисовальную школу Общества поощрения художеств, где учился у таких видных мастеров, как Н.К. Рерих и А.А. Рылов. С 1926 года Шегаль постоянно участвовал в выставках АХРР. Ездил по стройкам первых пятилеток, писал такие картины, как «Уральский металлургический завод», а также многочисленные пейзажи Кузбасса. Наибольшую известность получили два исторических полотна Шегаля — «Расстрел железнодорожников колчаковцами в Кизеле в 1919 году» и «Бегство Керенского из Гатчины в 1917 году». Исполнил Шегаль и огромную картину о Сталине, которая называлась «Вождь, учитель и друг». Работал и в более камерных жанрах — натюрморте и пейзаже («Оливы утром», «Серебряный день. Крым» и другие).

Помимо Г.М. Шегаля, к индустриальной теме обращались и многие другие советские художники — Б.Н. Яковлев, Ю.И. Пименов, А.Н. Самохвалов. Обращался к этой теме и Петр Иванович Котов (1889—1953), который был в числе художников, работавших над диорамой Днепростроя.

П.И. Котов родился в семье иконописца, учился в Академии художеств. В 1916 году за работы «Сбор на охоту» и «Письмо с Родины в окопах» получил звание художника и право пенсионерской поездки за границу. С 1922 года жил в Москве. Был членом АХРР. В годы Великой Отечественной войны был ответственным за выпуск «Окон ТАСС» в Пензе. Писал портреты представителей советской интеллигенции. За портрет академика Н.Д. Зелинского получил в 1948 году Сталинскую премию. Известен, в первую очередь, своими индустриальными пейзажами «Домна № 1. Кузнецкстрой» и «ЦЭС. Кузнецкстрой», которые считаются классикой социалистического реализма.

Эталоном соцреалистических картин считались и полотна Сергея Васильевича Герасимова (1885—1964) — такие как «Клятва сибирских партизан», «Колхозный праздник», «Мать партизана».

С.В. Герасимов учился в Училище живописи, ваяния и зодчества, где его наставниками были С.В. Иванов и К.А. Коровин. Стал членом объединений «Маковец», «Общество московских художников» и АХРР.

Надо сказать, что, хотя герасимовские картины с идеологически выдержанным сюжетом и считаются классикой соцреализма, они вряд ли могут быть причислены к наиболее удачным произведениям художника («Клятва сибирских партизан», «Мать партизана»). Что действительно получалось у художника, так это его небольшие натурные этюды русской природы — тонкие, поэтические, свежие («Зима», «Лед прошел», «Весеннее утро» и другие).

Среди графических работ Герасимова наибольшую известность приобрели иллюстрации к поэме Н.А. Некрасова «Кому на Руси жить хорошо» и роману М. Горького «Дело Артамоновых». Обращался Герасимов и к провинциальной городской жизни («Можайские ряды», «Свадебные в трактире» и другие).

Ряд известных картин, ставших классикой искусства социалистического реализма, принадлежит кисти Ефима Михайловича Чепцова (1874—1950). Это такие полотна, как «Заседание сельячейки», «Молотьба в колхозе», «Прополка свеклы»… Картина «Заседание сельячейки» участвовала в выставке «Лучшие произведения советских художников» в 1939 году в Третьяковской галерее.

В ранний период своего творчества Чепцов работал иконописцем и иллюстратором. Затем он учился в Петербургской Академии художеств

у В.Е. Савинского, В.Е. Маковского. Выступал с картинами на темы из сельского («На ярмарке») и городского («У доктора») быта. После октябрьских событий становится одним из активных деятелей АХРР.

Чепцов подолгу жил в родном селе, писал там своих односельчан («Дети в деревне», «В семье»), оформлял и проводил праздники, читал лекции по изобразительному искусству, вел театральный кружок. В годы Отечественной войны Чепцовым были созданы такие полотна, как «Последние известия с фронта», «В дни войны» и другие. В послевоенное время Чепцов заведовал кафедрой живописи Академии художеств, а затем работал на художественнографическом факультете Московского педагогического института.

По кругу сюжетов и по образу жизни Чепцову был близок Александр Викторович Моравов (1878— 1951). Моравов тоже не любил город и при первой возможности выбирался в деревню. А после октября 1917 года и вовсе переселился в местечко Гарусово, лишь изредка выезжая в Москву.

Учился А.В. Моравов в Киевской рисовальной школе Н.И. Мурашко, а затем в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Им были созданы такие картины, как «Уборка картофеля», «Тяжелые думы», «Л.Н. Толстой в своем кабинете в Ясной Поляне». После октября 1917 года художником были написаны полотна: «Заседание Комитета бедноты», «На призывном пункте», «В волостном ЗАГСе»… Многие свои произведения Моравов написал в деревне Мощная Горка, недалеко от Гарусово («Будущий кавалерист», «Чтение газеты» «Красноармеец в деревне» и другие). Последние довоенные годы Моравов жил в деревне Акулово. Как и жители Мощной Горки, акуловчане тоже нередко выступали его натурщиками. В этот период Моравов создал картины

Привлекает внимание и творчество такого художника, как Василий Николаевич Яковлев (1893— 1953). В своих произведениях Яковлев пытался соединить стиль старых итальянских и фламандских мастеров с соцреализмом: живописный цикл «Рыбы Баренцева моря», картины «Вакханалия», «Старатели пишут творцу Великой Конституции», «Спор об искусстве» (бурный спор об искусстве проходит в студии, загроможденной антиквариатом).

Яковлев известен и как реставратор. Он работал в Центральных реставрационных мастерских, затем заведовал реставрационной мастерской Музея изобразительных искусств. В 1938—1939 и 1949—1950 годах Яковлев занимал пост главного художника Всесоюзной сельскохозяйственной выставки. Художник много работал в жанре портрета. За «Портрет Героя Советского Союза генерал-майора И.В. Панфилова» в 1943 году Яковлеву была присуждена Сталинская премия. Хорошо известен конный портрет маршала Г.К. Жукова на фоне пылающих берлинских руин, и менее известен портрет арфистки В.Г. Дуловой. Последней крупной работой Яковлева было написанное им руководство (вместе с П.П. Соколовым-Скаля, о котором ниже) реставрацией Севастопольской панорамы.

Говоря о русской живописи первой половины XX века, хотелось бы упомянуть и таких некогда широкоизвестных художников, как В.П. Ефанов, Е.А. Кацман, В.С. Сварог, Г.Г. Ряжский, Г.К. Савицкий, П.П. Соколов-Скаля, С.М. Луппов, Д.К. Мочальский.

Василий Прокофьевич Ефанов (1900—1978) был одним из столпов социалистического искусства: лауреат, академик, народный художник… А начинал он в 1922 году с попытки поступить во ВХУТЕМАС. Не поступил, но все же переехал в Москву. Учился в нескольких художественных студиях. Был членом АХРР. Работал в панорамной мастерской «Перекоп» под руководством ГК. Савицкого. Как раз тогда и были написаны самые известные полотна художника: «Незабываемая встреча» и «Встреча артистов театра имени К.С. Станиславского с учащимися Военно-воздушной академии имени Н.Е. Жуковского». В 1929 году Ефанов стал бригадиром группы художников, которая создала грандиознейший (11 х 17 метров) групповой портрет «Знатные люди Страны Советов» для советского павильона на Международной выставке в Нью-Йорке. Позднее тем же бригадным способом были написаны «Передовые люди Москвы в Кремле» и «Заседание Президиума Академии наук СССР». Писал Ефанов и одиночные парадные портреты («Портрет В.М. Молотова» и другие). Им был создан цикл произведений о Монголии и Индии. Он иллюстрировал книги, рисовал плакаты… После наступления «оттепели» Ефанов перешел на салонные портреты («Дедушка. Художник М.И. Курилко с внучкой»).

Евгений Александрович Кацман (1890—1976) был одним из основателей АХРР. Художник-портретист, автор ряда жанровых композиций, он писал портреты и руководителей страны того времени. Среди основных его работ — «Портрет Ф.Э. Дзержинского», «Портрет К.Е. Ворошилова». Создавал он и портреты-картины («Ходоки у Калинина», «Чтение Сталинской конституции»). Любил изображать детей («Ленин и дети», «За чтением книги Б. Полевого „Повесть о настоящем человеке» и другие).

Василий Семенович Сварог (1888—1946) — живописец и график. Настоящая фамилия его была Корочкин, но, приехав в Петербург поступать в Художественное училище барона Штиглица, он взял в качестве псевдонима имя славянского языческого бога. Самые известные произведения Сварога дооктябрьского периода принадлежат к жанру плаката и сатирической графики.

В 1919 году художник возвращается к себе на родину, в Старую Руссу, организовывает там Народный дом, создает самодеятельный оперный коллектив. Спустя некоторое время он уезжает в Москву, пишет портреты Ленина и Сталина, отображает народные торжества и заседания, создавает композиции на индустриальные и колхозные темы («И.В. Сталин и дети», «И.В. Сталин и члены Политбюро среди детей в ЦПКиО им. М. Горького» «К.Е. Ворошилов на маневрах», «К.Е. Ворошилов и А.М. Горький в тире ЦДКА», «Взятие Зимнего дворца»). Написанный им в свое время портрет сына И.Е. Репина привел великого художника в восторг: «Какая смелость, какая стихийность манеры, какие богатыри у нас появляются!». В последующие годы Сварог исполнял лирические бытовые композиции (например, «Пастушок»).

Георгий Георгиевич Ряжский (1895—1952) писал главным образом женские портреты, создавая, как сказано в Большой советской энциклопедии, «образы новых женщин, рожденных советской эпохой» («Делегатка», «Рабфаковка», «Председательница», «Физкультурница» и другие). За картины «Делегатка» и «Председательница» награжден большой золотой медалью Международной выставки 1937 года в Париже. В 1928—1929 годах Ряжский побывал в творческой командировке в Италии. По возвращении на родину продолжил работать над образами «новых женщин»
(«Колхозница-бригадир», «Чувашка-учительница» и другие). Создал также ряд групповых портретов («Политбеседа», «Перед сменой. Бригада Стаханова»), кроме того, писал пейзажи и вел преподавательскую работу. В последние годы жизни занимал должность акаде- мика-секретаря Президиума АХ СССР.

Георгий Константинович Савицкий (1887—1949), живописец и график, учился в Пензенском художественном училище, затем в Академии художеств, которую окончил с золотой медалью. В советское время им был написан целый ряд батальных и жанровых картин («Первые дни Октября», «Разгон рабочей демонстрации» и другие). Участвовал в создании панорамы «Штурм Перекопа», а в период Великой Отечественной войны — в выпуске «Окон ТАСС», за что в 1942 году Савицкому была присуждена Сталинская премия.

В том же, 1942 году за политические плакаты и карикатуры, созданные для «Окон ТАСС», Сталинскую премию получил и Павел Петрович Соколов-Скаля (1899—1961), который возглавлял московскую мастерскую «Окон ТАСС».

А начинал Соколов-Скаля свою творческую деятельность в Москве, учась в частной студии И.И. Машкова. В 1926 вступил в АХРР. Создал ряд произведений о Гражданской войне («Таманский поход», триптих «Щорс» и другие). Работал над образами советских пограничников. В 1937 году исполнил диораму «Первая Конная армия в тылу у Врангеля», написал историческую картину «Взятие Иваном Грозным ливонской крепости Кокенгаузен». После войны много работал над иллюстрациями к былинам, руководил восстановлением панорамы Ф.А. Рубо «Оборона Севастополя».

Петр Митрофанович Шухмин (1894—1955) учился в Москве, в студии В.Н. Мешкова, а также в Академии художеств у И.И. Творожникова, А.В. Маковского и Д.Н. Кардовского. После октябрьских событий стал членом-учредителем АХРР. Преподавал в Академии художеств и в Институте прикладного и декоративного искусства. Свое творчество посвятил в основном историко-революционной теме («Проводник», «Приказ о наступлении», «Десант с “Авроры”»). Историко-революционные полотна художника выразительны по композиции, строги по колориту. Так же Шухмин работал как портретист и иллюстратор в журналах «Красная Нива», «Красный перец», «Окна ТАСС» и других.

Дмитрий Константинович Мочальский (1908—1980) учился в Академии художеств в Ленинграде. В период Великой Отечественной войны и в послевоенные годы создал серию картин, посвященную советским солдатам и партизанам (например, «Победа. Берлин. 1945 год»). С 1954 года писал лирические жанровые сцены, где главными персонажами выступали целинники (циклы «Люди целины», «Целинники»). За картины из серии «Люди целины» («Новоселы», «Молодожены-целинники», «Красный уголок», «Заочники») художнику в 1967 году была присуждена Государственная премия имени И.Е. Репина. В 1975 году Мочальский был награжден золотой медалью АХ СССР.

В начале XX века русское живописное искусство своим развитием было обязано художникам, входившим в объединения «Мир искусства» и «Союз русских художников», а также тем мастерам, которые встали под знамена авангарда.

После октябрьских событий 1917 года в российском искусстве восторжествовал социалистический реализм.

Советская живопись первой половины XX века весьма не однозначна. Пока еще свежи в памяти воспоминания о тех временах, а значит, и невозможна объективная оценка, которая сплошь и рядом будет подменяться оценкой субъективной и эмоциональной. Лишь нашим потомкам суждено увидеть в живописи советского периода именно живопись — вне политической конъюнктуры прошлого. И в истории русского искусства останутся и «Девушка в футболке», и «И.В. Сталин и К.Е. Ворошилов», и «Ленин в Разливе», и «Кузнецкстрой. Домна № 1» как памятники своей эпохи. Ведь И.Е. Репин и В.А. Серов писали царские портреты.

Правильно когда-то сказал замечательный художник А.А. Дейнека: «Сколько бы искусство ни раскрывало прошлого и ни забегало в будущее, оно принадлежит своему времени». А уже замечательный поэт А.С. Кушнер заметил: «Времена не выбирают, в них живут и умирают».