Живопись Германии в эпоху Северного Возрождения

В 15 столетии в Германии, как и в других странах Западной Европы, развивалось производство, мануфактура вытесняла средневековые цеховые структуры, росли города и укрепляло свои позиции бюргерство. Но готические традиции очень медленно уходили из культурной жизни страны. Сохранению средневековых устоев способствовала раздробленность Германии, которая в конце XIV — начале XV в. была разделена на множество мелких княжеств и независимых городов.

Немецкая живопись в XV в. была тесно связана с церковью, поэтому главное место в творчестве большинства художников занимали алтарные композиции, а не станковые картины. Главным достижением этого времени являлось то, что мастера стремились в своих религиозных произведениях отразить живые человеческие чувства. В библейских сценах появились элементы бытового жанра, святые приобретали черты простолюдинов.

Отмечены лиризмом несколько наивные образы Христа, Мадонны, святых и ангелов в картинах Стефана Лохнера («Младенец Христос в райском саду», ок. 1410; «Мадонна в розовой беседке», 1440-е). Черты жанровой сцены присутствуют в алтарных работах Лукаса Мозера. Персонажам Тифенброннского алтаря, созданного Мозером, свойственны жизненность и реалистичность. В то же время в этом произведении отсутствует целостность композиционного построения, лишен пространственной глубины пейзаж, изображающий море с плывущей по нему лодкой.

Обращением к народным традициям отмечены работы живописца и скульптора Ханса Мульчера, особенно заметно это в его Вурцахском алтаре, грубоватые святые которого напоминают немецких крестьян.

Крупнейшим живописцем первой половины XV в. был Конрад Виц. Не знающий законов перспективы, художник тем не менее достигает в своих работах пространственной глубины. С помощью света и тени Виц умело моделирует объемы, придавая фигурам живость и пластичность. Правдивостью и достоверностью отличаются его и пейзажи, в которых угадываются реальные ландшафты Германии («Хождение по водам», ок. 1435; «Св. Христофор»), интерьеры («Благовещение», ок. 1444). В то же время произведениям Вица не хватает композиционной целостности, нередко все детали картины кажутся раздробленными, не связанными между собой.

Во второй половине XV в. реалистические тенденции были продолжены в творчестве живописца и гравера Марка Шонгауэра. Одна из лучших его работ — картина «Мадонна в розовой беседке» (1473). Излюбленный мотив немецких художников этого времени (розовая беседка символизировала рай) приобретает у Шонгауэра иную интерпретацию, чем, например, у Лохнера с его идиллическим полотном, имеющим то же название. Композиционное построение картины напоминает работы итальянских мастеров, но образу некрасивой и угловатой Богоматери Шонгауэра не хватает гармонии и очарования итальянской Мадонны.

Шонгауэр много сделал для развития искусства немецкой гравюры. В Германии гравюра имела широкое хождение и пользовалась большой популярностью в народной среде. Во многих семьях хранились листы с изображением религиозных, аллегорических композиций, сатирических сценок. Гравюра, заменяющая дорогие миниатюры, делала книги значительно дешевле, что давало возможность небогатым людям покупать их. С помощью техники гравюры делались игральные карты, азбуки, разнообразные календари.

Гравюра на дереве носила в XV в. кустарный характер, а вот техника гравюры на меди была развита достаточно высоко. Крупным специалистом в этом виде искусства был т. н. Мастер игральных карт, работавший в 1440-е гг. Он известен также своими религиозными композициями, выполненными в технике гравюры.

Но самым значительным немецким гравером этой эпохи был все-таки Шонгауэр. Сохранилось более ста гравюр на меди, созданных мастером. Среди них — «Рождество Христово», «Несение креста», «Поклонение волхвов», «Мельник с ослицей и осленком», «Драка подмастерьев». Работы Шонгауэра пользовались большим успехом в XV и XVI вв. не только в Германии, но и в других странах Западной Европы, где с них делали копии.

Заканчивается XV и начинается XVI в. творчеством Ганса Гольбейна Старшего, чьи алтарные композиции отмечены ясным и спокойным настроением (алтарь св. Себастьяна, 1516).

Расцвет искусства Возрождения пришелся в Германии на первую треть XVI в. Эти годы ознаменовались сильными крестьянскими волнениями, прокатившимися по всей стране. К крестьянам присоединились городские низы, и на юго-западе Германии началось революционное движение, в котором приняли участие также оппозиционно настроенные немецкие рыцари и бюргеры. Эта эпоха выдвинула ряд замечательных личностей, среди которых — предводитель крестьянства Томас Мюнцер, руководители рыцарских выступлений Ульрих фон Гуттен и Франц фон Зиккинген, основоположник немецкой Реформации Мартин Лютер.

Хотя крестьянские и рыцарские выступления потерпели поражение, а сам Мартин Лютер позднее отрекся от восставших, революционное движение оказало огромное влияние на развитие немецкой культуры. Расцвет переживали светские науки, философия, искусство.

Крупнейшим живописцем этого времени был Альбрехт Дюрер.

Альбрехт Дюрер

21 мая 1471 г. в семье одного из нюрнбергских ремесленников по фамилии Дюрер родился сын. Младенца назвали Альбрехтом. Уже с ранних лет мальчика интересовала живопись. Первым учителем его был отец. В возрасте 15 лет Альбрехт поступил на обучение в художественную мастерскую известного в то время мастера-гравера и живописца Вольгемута.

В период с 1490 по 1494 г. Дюрер совершает путешествие по Германии и Швейцарии, где посещает города Франкфурт-на-Майне, Кольмар, Страсбург, Базель и др. Здесь он знакомится с известными книгопечатниками и мыслителями, встречи с которыми оказали огромное влияние на становление его художественного метода.

После возвращения на родину, в 1494 г., Дюрер женится на дочери одного из самых богатых бюргеров города, бывшего к тому же механиком и музыкантом. К этому же времени относится создание художником собственной мастерской по изготовлению гравюр.

В период с 1494 по 1495 г. Дюрер отправляется в Италию, где, побывав в Венеции и Падуе, знакомится с произведениями А. Мантеньи и Дж. Беллини.

Самой первой работой Дюрера принято считать сделанный серебряным карандашом «Автопортрет», датированный 1484 г. Несмотря на еще присутствующую неуверенность художника, в рисунке уже хорошо виден стиль мастера. В произведении изображен юноша, взгляд которого выражает ум и благородство. Тонко и верно переданный живописцем жест говорит об уже сформировавшемся художественно-изобразительном методе автора.

Первые пейзажные работы художника представляют собой картины, ставшие своеобразным выражением впечатлений автора, полученных во время путешествия по Венеции, Швейцарии и Германии. Появление этих произведений ознаменовало новый этап развития живописи Германии. Природа у Дюрера не противопоставлена человеку, а является неотъемлемой частью мира людей. Она одухотворена и прекрасна. Мастером композиции и колоризма выступает Дюрер в таких произведениях, как «Вид Инсбрука» (1494-1495) , «Заход солнца» (приблизительно 1495) , «Вид Триента», «Пейзаж во Франковии».

К 90-м гг. 16 столетия относится создание Дюрером гравюр на меди и на дереве: «Продажная любовь» (1495-1496), «Св. семейство с кузнечиком» (ок. 1494-1496) , «Три крестьянина» (ок. 1497), «Блудный сын» (ок. 1498), «Геркулес», «Мужская баня». Религиозные и мифологические сюжеты предстают перед зрителем в несколько переосмысленном художником виде. Почти во всех работах присутствует фигура человека (часто крестьянина) — современника живописца. То, что окружает героя (интерьер, пейзаж), также является отражением реалий времени, в котором жил мастер. Подобные работы Дюрера отличаются подробной детализацией каждого выведенного на полотне образа, будь то фигуры людей или обстановка, окружающая их. Однако главным действующим лицом в произведениях является все же человек. Основное внимание автора сосредоточено именно на показе и точной передаче линий и пластики человеческой фигуры.

В данный период впервые в творчестве Дюрера появляются изображения обнаженных тел. Причем эти произведения отличаются необычайной точностью.

Первой значительной работой Дюрера стал цикл гравюр на дереве, посвященный Апокалипсису. Гравюры были выпущены в 1498 г. в двух изданиях, которые сопровождались текстом на немецком и латинском языках. Картины явились своеобразным отражением средневековых представлений о мироустройстве в сочетании с авторским отношением к современным ему событиям. Таким образом, здесь как бы перемешивается современность и притча, библейская легенда. И потому гравюра представляет собой синтез элементов искусства раннего Средневековья (именно оттуда художник берет аллегории и символы) и современности. Дюрер, как и почти все голландские мастера конца XV — первой половины XVI в., создает произведения, отмеченные необычайно высокой напряженностью и конфликтностью, что, несомненно, было отражением реально сложившейся в то время в стране общественной ситуации.

В работах Дюрера, наряду с аллегорическими фигурами, в сюжетную канву гармонично входят реально существующие герои, современники художника: горожане, крестьяне, всадники, император. Однако эти фигуры созданы не только для того, чтобы выразить колорит времени, они имеют и символическое значение. Так, например, образы всадников часто отождествляются в сознании зрителя с войной, разрушениями, болезнями, смертью.

Произведения Дюрера необычайно выразительны. Жанр гравюры был поднят мастером на более высокую ступень, его работы становятся масштабными и монументальными.

В 1490-е гг. Дюрер обращается к живописному творчеству. Особое место среди полотен художника занимают портреты: портреты отца (1493, 1498), «Автопортреты» (1493, 1498), «Портрет Освальта Крелля» (1499). И в этих картинах мастер выступает как новатор в области художественного изображения. Характер человека становится центральной темой данных произведений. Именно человек как таковой, с его мыслями и чувствами, интересует живописца, а не религиозный идеал (что было свойственно искусству Германии до Дюрера). Причем художник стремится передать прежде всего то, что отличает данного человека от другого. Герои его картин — яркие индивидуальности. Однако в них присутствует и обобщение. Персонажи Дюрера почти всегда выражают то беспокойное время, в котором жил художник. Образы, созданные мастером, напряженны, внутренне неспокойны, динамичны.

Подробная детализация образов, свойственная мастерам позднеготического искусства, перерастает у Дюрера в реализм. Ярким примером этому может быть портрет отца художника, созданный в 1497 г. Дюрер показывает здесь старца с изборожденным морщинами лицом и седыми волосами. Столь же детально выписаны мастером и одежды человека. Все эти фрагменты, как кусочки мозаики, складываются один к одному и постепенно превращаются в большую картину, представляющую яркий образ. И вот уже перед нами — ремесленник, глубокие морщины на лице которого говорят нам о том, что этот человек прожил довольно нелегкую жизнь. Лишь его глаза, выражающие необычайную энергию, служат подтверждением того, что душа его еще жива и молода.

Развитие художественного метода Дюрера иллюстрируют два «Автопортрета». На более раннем из них (1493) перед зрителем предстает юноша, держащий в руках ветку чертополоха как знак мужской верности. Театральность жеста, использование в произведении символов — все это является ярким доказательством того, что художник не освободился пока еще от традиций средневекового искусства. Только спустя пять лет, в 1498 г., Дюрер создаст портрет, демонстрирующий завершение этапа формирования нового стиля в изобразительном искусстве Германии и становления индивидуального художественного метода живописца.

Автопортрет 1498 г. во многом напоминает творчество мастеров Возрождения. Портрет превращается у Дюрера в сложную композицию. На заднем плане картины, позади героя, художник размещает ниши и окно, из которого открывается вид на прекрасный ландшафт. При просмотре картины складывается впечатление, будто бы мастер стремился упорядочить все элементы композиции. Четко выстроенными оказываются не только пейзаж и интерьер, но и сама фигура человека: детали одежды, поза, взгляд.

Скромного мальчика-ремесленника на полотне 1493 г. сменяет теперь взрослый мужчина, серьезный, умный, с чувством собственного достоинства взирающий на мир.

Портрет современника Дюрера Освальта Крелля является типичным для творчества художника. Человек здесь показан без прикрас, таким, каковым он является на самом деле: асимметричные черты лица, небольшая складка между бровями, тяжелый взгляд.

Первым крупным произведением Дюрера, выполненным красками, принято считать Дрезденский алтарь, созданный примерно в 1496 г. Алтарь состоит из трех частей. Центральное место в произведении отведено фигуре Марии,
держащей на руках младенца Христа. Слева и справа, на боковых створках, размещены образы св. Антония и св. Себастьяна. Здесь прослеживаются все те же тенденции, характерные для творчества мастера: с одной стороны, следование традициям средневекового искусства (неправильная перспектива, тонкие, резкие контуры) и, с другой, реалистичное изображение героев с заострением внимания на их индивидуальных чертах.

В названных выше картинах Дюрера невозможно встретить плавные переходы тонов. Все линии, обозначающие контуры, необычайно точны и резки. Основу композиции составляют холодные светлые оттенки.

Альбрехт Дюрер. Автопортрет. 1500 г.

Альбрехт Дюрер. Автопортрет. 1500 г.

На дальнейшее развитие творчества Дюрера большое влияние оказала встреча художника с другим не менее известным живописцем Якопо де Барбари. Он показал Дюреру набросок с изображением человеческого тела, построенный с научной точки зрения. С тех пор создание образа, который бы выразил классический идеал фигуры человека, становится главной задачей в творчества мастера. Впоследствии она нашла отражение в трех теоретических работах, получивших общее название «Книги о пропорциях», созданию которых художник посвятил 10 лет (с 1515 по 1525 г.).

Живописным выражением этих идей стал автопортрет, написанный в 1500 г. Это произведение ознаменовало завершение этапа формирования стиля мастера. Полностью утрачена здесь и связь со средневековыми традициями художественно-изобразительного искусства. На темном фоне полотна зритель видит образ человека, соответствующий идеальному представлению автора о нем. Однако, как и в других произведениях Дюрера, здесь присутствуют черты реалистического изображения: выражение глаз модели, волнами спадающие на плечи волосы, рука с тонкими пальцами, перебирающими мех опушки. В результате, несмотря на идеализацию, перед нами все же предстает живой человек со своими чувствами и переживаниями.

К периоду с 1500 по 1504 г. относится создание мастером ряда рисунков, изображающих обнаженные человеческие фигуры, прообразами которых служили античные статуи. Эти работы являются живым свидетельством того, что художник все еще находится в поиске идеала пропорций человеческого тела, идеала совершенной красоты. Одна из таких работ — знаменитое полотно «Адам и Ева», написанное в 1504 г. Фигуры главных героев представляют собой точные копии изображений средневековых статуй, перенесенные автором с выполненных ранее рисунков.

Особенно интересен тот факт, что Дюрер, стремясь к передаче на полотне идеальной фигуры человека, многие свои композиции строит на изображении людей, далеких от идеала и совершенства. Характерными для творчества художника являются гравюры «Морское чудо» (ок. 1500) и «Немезида» (ок. 1501-1502). В этих произведениях центральное место занимает некрасивая, но удивительно живая и реалистичная женская фигура.

Немезида (по всей вероятности, сюжет гравюры взят художником из поэмы Полициано «Манто») показана в образе женщины с достаточно развитой мускулатурой и огромным животом. Изображение наполнено глубоким философским смыслом: крылатая Немезида здесь — олицетворение судьбы как отдельного человека, так и всей страны.

Монументальность фигуры подчеркивается в гравюре мелкими деталями пейзажа: на заднем плане композиции, словно рассыпанный горох, маленькие домики, деревья и скалы. Женщина держит в руках кубок и конную сбрую — вещи, напоминающие о разнице в судьбах людей, принадлежащих к различным сословиям.

С начала нового века Дюрер становится одним из самых известных мастеров-живописцев Германии 16 столетия. Начиная с этого времени его интересуют не только проблемы искусства, но и другие области человеческих знаний. Его внимание особенно привлекает изучение жизни растений и животных, населяющих землю. До наших дней дошли некоторые его штудии с изображением различных деревьев, цветов и зверей. Долгое время Дюрер занимался также и вопросами архитектуры (строительство домов и сооружение фортификаций). К этому же периоду относится и знакомство знаменитого живописца с крупными немецкими мыслителями-гуманистами, в числе которых был В. Пиркгеймер.

В начале XVI в. Дюрер исполнил ряд монументальных произведений, среди которых особое место занимают Паумгартнеровский алтарь, «Оплакивание Христа», «Поклонение волхвов». Эти работы стали первыми в истории развития немецкой живописи религиозными произведениями, которые носили возрожденческий, гуманистический и реалистический, характер. Все внимание автора оказывается сосредоточенным на изображении живого, реально существующего человека и его внутреннего мира — мыслей, эмоций и чувств. Столь же правдиво показаны здесь и картины природы. Некоторая символичность и условность образов «Рождества» и «Оплакивания Христа», где в общую композицию вплетены традиционные для жанра фигуры заказчиков произведения, полностью преодолены в «Поклонении волхвов».

Взгляду зрителя представлена необычайная по лиризму и динамике картина, сюжет которой основан на известной библейской легенде. По-своему интерпретировал автор и образы св. Георгия и св. Евстафия, моделями для которых были братья Паумгартнер.

Фигуры святых напоминают собой тип человека, жившего в одно время с художником. Это мужественные, сильные духом и телом люди. Они лишены в композиции той неземной и нереальной одухотворенности, которая была характерна для образов святых, созданных предшественниками Дюрера.

В первой половине 1510-х гг. Дюрер приступает к выполнению трех циклов гравюр на дереве, посвященных известным библейским сюжетам, — «Большие страсти Христа», «Малые страсти Христа» «Жизнь Марии». Эти гравюры вышли в 1511 г. в книгах, повествующих о жизни Христа и Марии. Издателем их был сам художник.

В 1506 г. Дюрер вновь посещает Венецию, где уже по-новому, с точки зрения состоявшегося мастера живописи, оценивает работы художников итальянского Возрождения. В это же время художник создает ряд полотен, наиболее полно отразивших традиции искусства Ренессанса. Среди подобных работ наибольший интерес представляют «Праздник четок» (1506), «Мадонна с чижиком» (1506), «Портрет венецианки» (1506), «Адам и Ева» (1507) и созданная несколько позднее «Мадонна с младенцем» (1512).

Человеческие фигуры с неправильными пропорциями уступают здесь место совершенным, прекрасным героям, характерным для искусства Возрождения. Они являются выражением ренессансного идеала, гармонии духа и тела человека. Движения персонажей плавны и лишены той угловатости, какая была характерна для дюреровских ранних работ.

Меняется и метод художественного изображения. Композиция освобождена теперь от мелких деталей. Ее составляют только элементы, необходимые для раскрытия темы произведения и характера образов. Последние необычайно изящны и грациозны, их лица выражают спокойствие и умиротворение, в них нет и намека на внутренние противоречия. Меняется и изобразительная манера художника. Мастер использует мягкие и плавные тоновые переходы. Здесь нет места четким и резким линиям.

Однако такой метод не становится ведущим в творчестве живописца. Очень скоро художник вновь возвращается к яркому драматизму, отражает внутренний конфликт человека. Реализм Дюрера после знакомства с работами мастеров Ренессанса становится другим. Художник создает в произведениях некий типический портрет своих современников. Его образы масштабны, монументальны и наполнены глубоким философским смыслом.

В период с 1513 по 1514 г. Дюрер создал ряд гравюр, признанных вершиной творчества знаменитого художника: «Всадник, смерть и дьявол» (1513), «Св. Иероним» (1514), «Меланхолия» (1514). Эти работы являются ярким образцом воплощения темы прославления человеческого разума и силы его духа.

Так, в картине «Всадник, смерть и дьявол» представлен образ человека с сильной волей. Он движется вперед. Он решителен и уверен в своих силах и потому не замечает ни дьявола, идущего следом, ни череп, лежащий под копытами лошади, ни Смерть, держащую в руках песочные часы, традиционно являющиеся символом быстротечности времени и краткости человеческой жизни на земле.

В «Св. Иерониме» автор воспевает человеческий разум, светлую человеческую мысль. Не случайно голова святого окружена ярко светящимся нимбом. Это не только деталь, показывающая святость персонажа, но и выражение ясности его мышления. Вся обстановка, окружающая св. Иеронима, демонстрирует зрителю гармонию мирового устройства и победу человеческого разума над силами природы (укрощенные и дремлющие у ног святого собака и лев — царь всех зверей).

До сих пор значение некоторых деталей в гравюре «Меланхолия» (собака, шар, весы, колокол, рубанок, меч, песочные часы, цифры на доске) до конца не раскрыто. Огромный смысл выражает фигура Меланхолии, воплощенной в образе мощной крылатой женщины, о чем-то глубоко раздумывающей. Она выражает сильную человеческую волю и глубокую мысль.

Постепенно все мелкие детали, окружающие женщину, отходят на второй план. Центром же композиции и, пожалуй,
единственным ее героем становится она сама.

Все названные выше композиции, несмотря на символичность и условность, вместе с тем отличаются необычайной реалистичностью изображений. Достигается это с помощью точных и четких линий, создающих очертания человеческого тела, фигуры животных, элементов пейзажа. Ощущение достоверности образов создается и тонкой передачей воздушной среды и светотеневых переходов. Дюрер показывает себя здесь не только как величайший мастер искусства гравюры, но и как психолог, знаток души человеческой.

Альбрехт Дюрер. Всадник, смерть и дьявол. 1513 г.

Альбрехт Дюрер. Всадник, смерть и дьявол. 1513 г.

В последние годы в своих произведениях Дюрер все чаще обращается к изображению народных типов. Крестьяне являются главными героями нескольких работ художника, среди которых особое место занимают гравюры на меди «Танцующие крестьяне» (1514), «Волынщик» (1514) , «На рынке» (1519) .

В 1520-е гг. мастер выполняет множество живописных заказов, занимается иллюстрированием книг. Среди подобных работ выделяется гравюра, выполненная для императора Максимилиана, и рисунки, сделанные на полях его молитвенника.

К периоду с 1520 по 1521 г. относится пребывание Дюрера в Нидерландах. Здесь он знакомится с работами известнейших нидерландских живописцев. Однако художественно-изобразительная манера последних никак не отразилась на дальнейшем развитии индивидуального метода мастера.

В 1510-1520-е гг. Дюрер создает ряд замечательных произведений, центральное место в композиции которых занимают образы, словно перенесенные на полотно из реальной действительности — настолько живыми они кажутся. Примерами таких работ являются живописные портреты учителя Дюрера мастера Вольгемута (1516), императора Максимилиана (1519), интеллигента Бернгарда фон Рестена (1521), Гольцшуэра (1526), а также гравюры «Портрет Виллибальда Пиркгеймера» (1524), «Портрет Филиппа Меланхтона» (1526), «Портрет Эразма Роттердамского» (1526) и рисунки — «Портрет брата Андрея» (1514), «Портрет матери» (1514), «Портрет девочки» (1515).

Мастера интересует здесь не только точная передача внешних черт, но и возможность отражения на полотне или листе бумаги внутреннего мира человека, его чувств, эмоций и мыслей. На всех портретах перед зрителем предстают яркие индивидуальности. Это не благочестивые полусвятые средневекового искусства и не идеальные абстракции Возрождения. Это вполне реальные люди, представленные во всем разнообразии их характеров.

Реализм достигается в композициях через правдивую передачу пластики движений человеческого тела, через жесты и позы людей. Линии, составляющие фигуры, плавны и нерезки. Нет здесь и излишней детализации в изображении человека. Все лишнее отсечено. Главное для художника — человек и его переживания.

Одной из последних работ Дюрера стало живописное полотно «Четыре апостола», написанное в 1526 г. Выведенные на полотно образы одновременно являются и художественным обобщением, и выражением индивидуальности личности. С одной стороны, они представляют собой человеческий тип борца против несправедливости. Но, с другой стороны, каждый из отдельно взятых героев сугубо индивидуален, передает определенный человеческий характер. Несмотря на условность и символичность, перед зрителем предстают живые люди: мудрый старец Петр, апостол Павел с горящим взором деятельного человека. Все они объединены общей темой — стремлением художника показать силу человеческого разума и воли.

Альбрехт Дюрер скончался 6 апреля 1528 г., два года спустя после окончания работы над созданием полотна «Четыре апостола». Великий живописец был похоронен на родине, в Нюрнберге.

Художественные достижения великого мастера были продолжены в творчестве его учеников, среди которых наиболее известными являются живописцы Георг Пенц и братья Бартель Бехам и Ганс-Зебальд Бехам.

Альбрехт Дюрер. Св. Иероним. 1514 г.

Альбрехт Дюрер. Св. Иероним. 1514 г.

Творчество Дюрера оказало огромное влияние на развитие германской живописи и гравюры. Большую роль сыграл Дюрер в становлении национального пейзажа: замечательные ландшафты художника заставили последующие поколения живописцев взглянуть на природу иными глазами. Творчество Дюрера внесло изменения и в портретный жанр, где главным для него стало отражение внутреннего мира человека. Религиозная тематика перестала играть доминирующую роль в немецком искусстве. Картины художников, шедших за Дюрером, стали носить чисто светский характер. Но, пожалуй, главной заслугой Дюрера является утверждение реалистических принципов художественного изображения в искусстве Германии XVI столетия.

Одним из крупнейших мастеров этой эпохи был близкий друг Дюрера — Ханс Бальдунг Грин, в творчестве которого переплелись средневековые традиции, черты ренессансного искусства и элементы маньеризма — течения, которое захватило живопись в годы реакции, последовавшей за поражением крестьянских восстаний.

Интересны гравюры и рисунки Бальдунга Грина. В них отразилась тонкая наблюдательность мастера и его замечательное знание и понимание природы. Некоторые произведения поражают эротичностью и натурализмом (серия с изображениями ведьм), обилием мистических мотивов («Смерть, целующая женщину», 1517; «Три возраста и смерть», ок. 1539).

Ханс Бальдунг Грин. Три возраста и смерть. Ок. 1539 г.

Ханс Бальдунг Грин. Три возраста и смерть. Ок. 1539 г.

В последний период творчества повышенная выразительность образов и изощренность композиции перерождаются в откровенную манерность («Две ведьмы», 1523; «Аллегория бренности», 1529).

Современником Дюрера был Маттиас Грюневальд, чьи евангельские композиции пронизаны мистицизмом, порожденным глубокими противоречиями эпохи. Есть сведения, что художник имел какое-то отношение к крестьянскому восстанию, за что его уволили со службы.

Самым значительным произведением Грюневальда является Изенгеймский алтарь. Его центральная часть со сценой Голгофы поражает натурализмом, с которым художник изобразил страдания распятого Христа, Богоматери, Марии Магдалины и апостола Иоанна. Лица персонажей, искаженные мукой, кажутся некрасивыми и пугающими, их жесты — преувеличенно выразительны¬ми и неестественными. Вероятно, так живописец попытался выразить свое отношение к событиям эпохи, в нем звучит яростный протест против зла, царящего в мире. Образ страдания отдельного человека приобретает у Грюневальда вселенские масштабы, становясь символом народной скорби.

Та же эмоциональная выразительность свойственна и другим работам Грюневальда («Бичевание Христа», «Распятие»). Произведения мастера настолько индивидуальны, что у исследователей никогда не возникало затруднений с определением авторства его картин.

Ярким представителем немецкой живописи XVI в. является мастер т. н. дунайской школы Альбрехт Альтдорфер. Лучшими его работами стали необыкновенно поэтичные пейзажи, в которых взору зрителя предстает образ романтичной и сказочной природы. Живопись Альтдорфера настолько оригинальна и выразительна, что его картины, искрящиеся яркими красками, не спутаешь с полотнами других художников. Таковы его «Отдых на пути в Египет» (1510), «Рождество Христово» (1512), а также два замечательных ландшафта, поражающих своими почти космическими масштабами — «Битва Александра Македонского с Дарием» (1529) и «Альпийский пейзаж» (ок. 1532). Альтдорфер работал и в технике гравюры. Сохранилось множество его гравюр на меди и дереве, а также офорты с видами природы.

Таким же интересом к природе отличаются и картины саксонца Лукаса Кранаха, богатого бюргера, длительное время занимавшего должность бургомистра города Виттенберга и работавшего при дворе саксонского курфюрста Фридриха
Мудрого.

Рисовальщик и гравер, Кранах выполнил ряд иллюстраций к сочинениям Мартина Лютера, с которым художника связывали дружеские отношения. Интересны его гравюры на дереве со сценами из жизни виттенбергского
придворного общества (охота, празднества и рыцарские турниры).

Большое место в творчестве Кранаха занимают живописные работы. Художник создавал религиозные и мифологические композиции, писал портреты («Портрет ученого Иоганна Куспиниана», 1502-1503; «Портрет дамы», 1526; «Портрет отца Лютера», 1530). Множество картин мастера посвящено образам природы Германии; вместе с Альтдорфером Кранах по праву считается основоположником пейзажного жанра в Германии. В некоторых его полотнах религиозный сюжет
отходит на задний план, уступая место пейзажным и жанровым мотивам («Отдых на пути в Египет», 1504).

В своем творчестве Кранах нередко обращается к классическому искусству Италии. Многие его Мадонны напоминают итальянских («Мария с младенцем»); в некоторых картинах заметен интерес живописца к обнаженной натуре («Венера», 1509).

Со временем в творчестве Кранаха начинают преобладать черты маньеризма. Его большая мастерская, в которой
работает множество учеников, пишет картины, призванные развлекать знатную публику. Эти произведения отличаются декоративностью, идеализацией образов и некоторой долей эротизма («Суд Париса», 1529; «Аполлон и Диана», 1530).

Лукас Кранах. Портрет Иоганна Куспиниана. 1502-1503 гг.

Лукас Кранах. Портрет Иоганна Куспиниана. 1502-1503 гг.

Крупнейшим мастером немецкого Возрождения является Ганс Гольбейн Младший.

Ганс Гольбейн Младший

Ганс Гольбейн (Хольбейн), прозванный Младшим, родился в 1497 г. в Аугсбурге. Живописи учился у своего отца, Ганса Гольбейна Старшего, знаменитого немецкого живописца.

Примерно в 1514 г. Гольбейн Младший вместе со своим братом Амброзиусом покидает родной город и отправляется в Базель. Здесь он часто посещает кружок гуманистов, сформировавшийся вокруг знаменитого в то время ученого-мыслителя Эразма Роттердамского. В начале века Базель вырос в город с достаточно высоко развитой культурой. Ганс Гольбейн очень быстро нашел себе занятие по душе. Он начал заниматься портретированием и декорированием книг.

Уже в ранних работах талант и художественный метод Ганса Гольбейна проявляется в полной мере. Примером тому может служить портрет бургомистра и его жены, написанный в 1516 г. Выведенные на картине персонажи отличаются необыкновенной внешней и внутренней гармонией. Это не полные противоречий и двусмысленности герои Дюрера. Люди на полотне Гольбейна спокойны, уверены в себе и уравновешенны.

Характерной для творчества художника чертой является реалистичность и подробная детализация в передаче элементов одежды персонажей и предметов, их окружающих. Его герои не являются абстрагированными от реальной действительности. Ощущение жизненной правды усиливается еще и оттого, что мастер почти всегда показывает социальную принадлежность портретируемых. Так, на его полотнах возникают образы аристократов, простых горожан, купцов и ученых.

Среди портретов, созданных в ранний период творчества, особое место занимает «Портрет Бонифация Амербаха», написанный в 1519 г. Гольбейн так же, как и в предыдущих работах, предстает перед зрителем великим мастером-гуманистом, в произведении которого наиболее важным и значимым является человек и его внутренний мир. На портрете изображен известным в то время гуманист Бонифаций Амербах, один из представителей нового поколения немецкой интеллигенции. Глядя на полотно, зритель видит перед собой умного и независимого, полного чувства собственного достоинства и гармонически развитого человека.

Гольбейн проявляет себя здесь искусным мастером композиции. Размещенная на заднем плане, позади фигуры героя, ветка дуба создает впечатление необыкновенной легкости и воздушности.

Теми же чертами отмечены и портреты Эразма Роттердамского, созданные Гольбейном в начале XVI в. Особенный интерес вызывает портрет мыслителя, написанный в 1523 г.

Необычайно выразительны и рисунки мастера. Среди них «Портрет неизвестного» (ок. 1523), «Портрет Парацельса» (1526). Эти работы интересны тем, что выполнены они черным карандашом и цветными мелками. Гольбейн выступает в них новатором художественно-изобразительной техники в жанре рисунка.

Период с 1516 по 1526 г. Гольбейн посвящает жанру книжной графики. Среди подобным работ особое место занимают исполненные гусиным пером иллюстрации 1515-1516 гг. к философскому произведению Эразма Роттердамского «Похвала глупости». Интересен и цикл гравюр на дереве, созданный в период с 1523 по 1526 г. и получивший название «Образы смерти».

Ганс Гольбейн Младший был известен своим современникам не только как талантливым живописец, но и как мастер художественного декорирования. Время сохранило маленький столик, крышка которого украшена работой Гольбейна 1515 г. На ее поверхности художник изобразил шуточные бытовые сцены и картины-аллегории.

Среди более поздних работ по декорированию особенный интерес представляют фрески в доме бургомистра города Люцерна Якоба Гернштейна, выполненные в период с 1517 по 1518 г., а также роспись большой комнаты ратуши в Базеле, работа над которой была завершена в 1530 г. К сожалению, эти произведения великого мастера не сохранились. До наших дней дошли лишь эскизы и рисунки, по которым можно судить о характере произведения и оценить мастерство художника. На фресках размещены многофигурные композиции на мифологические темы, в которые гармонично быти вплетены сцены, повествующие о современным живописцу событиях. Герои знаменитым легенд соседствуют здесь с образами реально существовавших людей.

С 1520 по 1522 г. Гольбейн Младший работает над созданием фресок, украсивших дом известного в то время ювелира Бальтазара Ангельрота. Жилище золотым дел мастера получило впоследствии название «Дом танца», так как его стены быти украшены картинами с изображением танцующих крестьян. К этому времени относятся и фрески для дома Бонифация Амербаха, жившего в Базеле.

Сохранились рисунки Гольбейна, выполненные тушью и акварелью и предназначенные для украшения витражей. Среди прочих особенно выделяется лист с изображением двух единорогов, а также набросок св. Елизаветы Венгерской.

Находясь в Базеле, художник работает не только как декоратор. В это время им быт создан ряд полотен на религиозно-христианскую тему, принесших живописцу всемирную славу. Среди них такие произведения, как «Мертвый Христос» (1521) и «Мадонна бургомистра Мейера» (1526).

В композиции «Мертвый Христос» образ главного героя несколько переосмысливается автором. Христос Гольбейна — не небесное существо. Со всей реалистичностью изображено на картине странно изогнутое в предсмертным конвульсиях мертвое тело человека, остановившийся взгляд его остекленевших глаз. Творчество мастера оказывается полностью освобожденным от христианских догм. Живописец предстает перед зрителем прежде всего художником-реалистом, стремящимся правдиво и убедительно передать явления действительности.

Ганс Гольбейн Младший. Портрет Георга Гисце. 1532 г.

Ганс Гольбейн Младший. Портрет Георга Гисце. 1532 г.

Картина «Мадонна бургомистра Мейера» построена по всем правилам и традициям искусства Возрождения: та же симметрия в размещении фигур; акцент на образе Марии, держащей на руках младенца Христа; плавные драпировки
одежды героев; пастельные тона, мягко переходящие один в другой. Лишь одна деталь композиции подтверждает ее германское (северное) происхождение — размещение фигур заказчиков полотна. Эти образы являют собой отдельное произведение — мастерски выполненный с натуры портрет членов знаменитой семьи.

В период с 1526 по 1528 г. Гольбейн совершил путешествие по Англии. В стране туманов и дождей художник знакомится с Томасом Мором, который вводит знаменитого живописца в круг английской интеллигенции. Находясь в Лондоне, Гольбейн создает несколько произведений, среди которых особый интерес вызывает портреты. В их числе — большая, так и оставшаяся незавершенной картина, изображающая семью Томаса Мора, а также портреты самого Мора и немецкого астронома Кратцера.

В 1528 г. Гольбейн возвращается в родной город. Однако прокатившаяся в период с 1528 по 1529 г. волна Религиознык войн и иконоборчества заставила художника вскоре покинуть Базель. За это время (с 1528 по 1532 г.) Гольбейн создает еще несколько произведений. Среди них большой портрет жены с детьми (1528-1529) и цикл из 91 иллюстрации на библейские сюжеты, представляю¬щий собой гравюры на дереве. Библейские сюжеты здесь также
переосмыслены художником. Картины предназначены не для того, чтобы демонстрировать святость духа. Композиции, созданные Гольбейном, носят скорее дидактический, наставительный характер и прославляют высокую мораль.

В 1532 г. художник навсегда покидает родной Базель и поселяется в Англии. Последние годы жизни мастер посвящает созданию портретов. Среди них особое место занимает ряд портретов, изображающих немецких купцов, с которыми общался живописец в первый период своего пребывания в Лондоне. Так, до наших дней сохранился портрет знаменитого в то время немецкого купца Георга Гисце, написанный почти сразу же по приезде в столицу туманного Альбиона, в 1532 г. Художник пишет здесь молодого человека, удачливого торговца, поместив его в привымную обстановку лондонской конторы. Гольбейн является замечательным мастером цветового решения. Он использует смелые сочетания ярких, насыщенный красок: черной, зеленой, красной, желтой. Предметы, окружающие главного героя, переданы реалистично и детально: на картине подробно вытисана каждая ниточка полотна, покрывающего стол, каждый лепесток цветов, стоящих в красивой стеклянной вазе.

Среди других работ Гольбейна, созданный в этот период, наиболее интересны «Портрет французских посланников» (1533) , «Портрет королевского сокольничего Роберта Чизмена» (1533) , «Портрет Шарля Моретта» (1534-1535).

Последний явился вершиной творчества мастера в жанре портрета. Зритель видит перед собой представителя высших
аристократических кругов. Вот почему художник поместил его в богато обставленную комнату и облачил в дорогие одежды. Для раскрытия образа Гольбейн использует сочные, яркие краски: насыщенно-зеленый фон картины, черный костюм и белоснежная рубашка героя.

С 1535 г. в творчестве знаменитого художника намечается кризис. Связано это с тем, что Гольбейн поступает на службу к английскому королю Генриху VIII и становится придворным живописцем. Его талант с этого времени оказывается полностью подчиненным капризам и желаниям знати. Поздние его произведения отличаются излишней детализацией мелких элементов и тщательностью исполнения. С другой стороны, главные образы (в сравнении с созданными ранее) менее выразительны и индивидуальны. Наиболее показательными для данного периода творчества художника являются такие работы, как «Портрет королевы Джен Сеймур» (1536), «Портрет Христины Датской» (1538), «Портрет Эдуарда, принца Уэльского» (1538-1539), «Портрет Генриха VIII» (1539-1540).

Более совершенными, во всей полноте раскрывающими талант художника произведениями являются графические портреты Гольбейна, в которых он предстает истинным мастером изобразительного искусства.

Ганс Гольбейн Младший скончался в Лондоне осенью 1543 г. Талантливый немецкий живописец внес неоценимый вклад в развитие живописи Германии. Его творчество оказало огромное влияние на становление и развитие портретного жанра не только на родине художника, но и в других странах Западной Европы.

История искусства © 2016 Frontier Theme