На последней выставке импрессионистов в 1886 г. была представлена картина Ж. Сёра «Воскресная прогулка на острове Гранд-Жатт», ознаменовавшая отход от принципов и приемов импрессионизма. Жорж Сёра и Поль Синьяк стали основателями нового направления в искусстве — неоимпрессионизма. Представители течения использовали особую художественную технику (дивизионизм, или пуантилизм). Художники пытались на практике применить научные открытия, сделанные в области оптики. В их работах выразилось стремление отойти от композиционной фрагментарности, свойственной живописи импрессионистов. Картины неоимпрессионистов отличались плоскостной декоративностью и нередко напоминали многофигурные панно.
Многие художники, не удовлетворенные импрессионистическим методом, постепенно отошли от прежнего направления. Теперь с помощью своего искусства они стремились выразить не сиюминутные мгновения, а длительное, самое существенное и важное в духовной и материальной жизни человека. Данный период получил название постимпрессионизма (от латинского post — после). Этим термином обозначаются все основные направления французской живописи, появившиеся на рубеже XIX-XX вв. вслед за импрессионизмом и характеризующиеся отходом от его изобразительного метода.
Постимпрессионизм представлял собой взаимодействие различных творческих систем (отдельных художников и целых направлений). Крупнейший живописец этого времени П. Гоген пытался с помощью изобразительных средств воплотить мечту о гармонии человека и природы, предвосхитив тем самым появление символизма и модерна. Предшественником модерна можно считать и А. де Тулуз-Лотрека с его линейно-декоративной живописью. Ван Гог, используя выразительность цвета и формы, проложил дорогу экспрессионизму. В живописи П. Сезанна отразилось стремление показать устойчивость и конкретность реального мира. К постимпрессионизму относится и неоимпрессионизм Ж. Сёра и П. Синьяка, понтавенская школа, в которую входили последователи Гогена (Э. Бернар, Л. Анкетен, П. Серюзье, Я. Веркаде) и группа «Наби» (М. Дени, П. Серюзье, Э. Вюйар, П. Боннар).
Самыми значительными представителями неоимпрессионизма считаются П. Сезанн, В. Ван Гог и П. Гоген.
Поль Сезанн
Поль Сезанн, один из известнейших французских художников и графиков постимпрессионизма, родился в 1839 г. в Экс-ан-Провансе в семье мастера по изготовлению шляп, который, разбогатев, стал банкиром. В 1852-1858 гг. Сезанн учился в коллеже Бурбон в Эксе, где близко сошелся с Э. Золя. Последний так же, как и сам Сезанн, интересовался литературой.
С 1859 по 1861 г., обучаясь на юридическом отделении университета в Эксе, Сезанн одновременно посещает Муниципальную художественную школу под руководством Ж. Жибера. В 1861 г. он побывал в Париже, по возвращении из которого поступил в банк отца, где проработал около года. В 1862 г., воспротивившись желанию семьи, решил посвятить свою жизнь живописи, для чего переехал в Париж.
Перебравшись в столицу, Сезанн посещал студию Сюиса, где ежедневно совершенствовался в рисовании моделей. Помимо этого он посещал Лувр, копировал старых мастеров, особенно восхищаясь живописью Э. Делакруа и Г. Курбе. Приблизительно в это же время молодой художник познакомился с К. Писсарро, а через него с другими импрессионистами: К. Моне, О. Ренуаром и А. Гийоменом, живопись которых резко отличалась от всего того, чем занимался тогда сам Сезанн. В отличие от К. Моне, стремившегося к наиболее точной передаче природных явлений, Сезанн выстраивал собственный фантастический мир, пытаясь выразить в нем гамму эмоций и чувств человека. Понимая сложность окружающего мира, живописец не мог оставаться простым созерцателем. Он стремился к тому, чтобы зрителю с первого взгляда было понятно то, что он сам считает важным. В наибольшей степени это присуще работам 1860-х гг. Чтобы добиться желаемого, Сезанн деформировал пропорции человеческих фигур, создавал композиции с неустойчивым равновесием, использовал интенсивные и очень темные краски. Его картины написаны энергичным и свободным пастозным мазком. Линии и ритмы в полотнах Сезанна настолько стремительны, что нередко создается впечатление, будто кисть не поспевает за мыслью и не способна выразить всего задуманного художником. Подобное «несоответствие» между авторским замыслом и его воплощением нередко вызывало у Сезанна ощущения, связанные с неверием в собственные силы. Живописец постоянно сомневался в правильности выбранной им дороги. Эти чувства отразились в таких произведениях, как «В комнатах» (1860-е), «Негр Сципион» (ок. 1865), «Оргия» (ок. 1864-1868), «Вскрытие» (ок. 1867-1869), «Магдалина» (1869). Этот период творчества Сезанна многие исследователи называют романтическим или барочным.
К концу 1860-х живописная манера Сезанна несколько преображается, становится более сдержанной, строгой в композиционном отношении («Девушка у пианино», или «Увертюра к «Тангейзеру», 1867-1869).
Для периода творчества Сезанна 1872-1879-х, именуемого импрессионистическим, характерны приближенная к реальной жизни трактовка образов, стремление к тонкой передаче световоздушной среды и «осветление» колорита. Главным жанром в творчестве этой поры становится пейзаж, а единственным, достойным внимания, — природа. В 1872-1873 гг. он вместе с К. Писарро работает сначала в Овере, затем в Понтуазе. Нередко случается, что художники используют один и тот же мотив, применяя различные выразительные средства («Дорога в Понтуазе», ок. 1876). Внимательное отношение старшего единомышленника влияет на искусство Сезанна наилучшим образом.
В отличие от друзей-импрессионистов, у которых реальный мир растворялся в потоках света, Сезанн наделяет предметы объемом, плотностью и весом. Отличительной чертой его пейзажей было доминирование вертикальной линии, вокруг которой строго распределены пространственные планы. Пример такой линии — колокольня в «Деревне на севере Франции» (1879-1882), высокая труба в «Гавани Марселя» (конец 1870-х).
В Овере Сезанн начинает писать натюрморты (позднее жанр натюрморта станет излюбленным в его творчестве). Это помогает художнику глубже проникнуть в мир окружающей природы. Работая в этом жанре, Сезанн постепенно приходит к неповторимой цветовой гамме (сочетание сизо-голубого и оранжево-желтого оттенков), присущей
многим его работам («Букет цветов в вазе», 1873-1875). Предметы, фрукты и ткани в картинах преисполнены некоторой многозначительности, утверждающей совершенство и прочность бытия («Ваза с фруктами», ок. 1878).
Этот период творчества Сезанна (1879-1888) получил название конструктивного.
Помимо фантастических картин, пейзажей и натюрмортов, значительную часть наследия живописца составляют портреты и автопортреты (относимые к так называемому синтетическому периоду, продолжавшемуся с 1888 по 1899 г.), в которых изображения людей подчинены строгой логике. Сезанн старается избегать преходящих моментов: мимики, жестов, ярких эмоций. Художник считает, что все это изменчиво, а для него самое важное — суть образа. Поэтому персонажи картин почти всегда задумчивы, погружены в свои мысли.
Создавая серии автопортретов, портретов карточных игроков, курильщиков, купальщиц и других персонажей, мастер нисколько не интересуется поступками этих людей, их мыслями и чувствами. Он лишь подтверждает факт существования своих моделей. Это выражается в равновесии отдельных частей тела, спокойной уверенности позы, объемной весомости. Кажется, что изображенные фигуры как бы раз и навсегда остаются в строго отведенном для них месте. В то же время ощущение тревожности, напряженности, отражаемое при помощи цвета, выдает присутствие авторского «я» в картине и не позволяет назвать существование персонажей безмятежным и спокойным.
Человеческие фигуры в живописи Сезанна не противостоят пейзажному фону, они так же, как окружающие их образы природы, пронизаны светом и воздухом («Купальщики», 1890-1892). В этот период художник довольно часто обращается к теме купания, воплощая в ней идеал свободного человека, живущего в гармонии с окружающей средой. Воспоминаниями о днях юности навеян образ высокой сосны в картине «Большая сосна близ Экса» (1890), в которой Сезанн стремится решить проблему слияния предмета с окружающим его пространством и передать изменчивость вечно живущей природы. Интерес к взаимодействию меняющегося и постоянного наиболее ярко отразился в поздних натюрмортах художника («Натюрморт с драпировкой», 1898-1899).
Другой характерной особенностью живописи Сезанна этого периода является то, что в ней выразилось стремление художника акцентировать внимание на таких структурах, как шар, цилиндр, конус. По мнению мастера, именно соотношение этих фигур лежит в основе всего существующего. Данное убеждение придавало работам Сезанна особое наполнение, он как бы уподоблялся всевышнему творцу, создающему свою живописную вселенную.
В последние годы жизни живопись Сезанна так изменилась, что исследователи творчества художника назвали ее спонтанной. Теперь композиция картины не продумывалась автором заранее, а возникала уже в процессе работы. В сдержанной и суровой палитре Сезанна начали преобладать более светлые и нежные оттенки («Голубой пейзаж», 1900-е). Очень часто на его полотнах появляется изображение горы Св. Виктории, воспринимаемой художником как символ вечной гармонии («Гора Св. Виктории, 1900) .
Скончался Сезанн в 1906 г. в родном городке Экс-ан-Прованс.
Винсент Ван Гог
Голландский художник Винсент Ван Гог, крупнейший представитель постимпрессионизма, живописец, рисовальщик, офортист и литограф, завоевавший своими работами мировое признание, родился в 1853 г. в местечке Грот-Зюндерт близ Бреды (Северный Брабант) в семье сельского священника. С 16-летнего возраста работал служащим в фирме «Гупиль» (филиалы ее находятся в Гааге, Брюсселе, Лондоне и Париже), занимающейся куплей-продажей предметов искусства, в частности картин. В 1876 г. преподавал работой в Англии. В 1878 г. под влиянием занятий теологией Ван Гог, мечтая помочь обездоленным, стал проповедником в шахтерском поселке Боринаже на юге Бельгии. Однако в скором времени, столкнувшись с равнодушным отношением к своей деятельности представителей церковной власти, он навсегда порвал с официальной религией.
Разочарование в юношеской мечте способствует тому, что Ван Гог начинает заниматься новым для себя делом — живописью. Именно в Боринаже он впервые окунулся в мир искусства. С этого времени и до конца своей короткой жизни художник прожил с ощущением радости от творчества, даже несмотря на то, что порой ему приходилось вести полуголодное существование. Единственным, кто оказывал ему всевозможную поддержку (в том числе и материальную), был брат Тео.
Живописи Ван Гог учился в Брюсселе (1810-1881), Антверпене (1885-1886), а также в Гааге у голландского художника Мауве, но истинное мастерство пришло к Ван Гогу, по его же словам, с помощью «непрестанного изучения натуры и сражения с ней». Героями большинства картин голландского периода являются простые крестьяне, изображенные в привычной обстановке за обычными занятиями («Ткач», 1884; «Крестьянка», 1885). Характерной для этого времени стала композиция «Едоки картофеля» (1885), которая по манере исполнения и темной цветовой гамме близка живописи Ж.-Ф. Милле. Краски в этой картине напоминают цвета обрабатываемой крестьянами земли — Ван Гог использует сочетания коричневого, черного, синего, зеленого и серого цветов. Однако прежде всего его интересует вовсе не цвет, а форма.
Столь же своеобразны натюрморты, изображающие домашнюю утварь. В них одновременно сочетаются естественность и образность («Натюрморт с пятью бутылками и чашкой», 1884; «Натюрморт с трубкой и шляпой», 1885). Глубокий философский смысл заложен в «Натюрморте с книгой и Библией» (1885). Эту работу Ван Гог посвятил пасторской деятельности своего умершего отца.
В поисках новых впечатлений и приемов живописи художник отправился в Париж, где произошло его знакомство с импрессионистами. Пробыв в столице с 1886 по 1888 г., Ван Гог занимался там изучением теории цвета Э. Делакруа, увлекался плоскостной японской гравюрой и фактурной живописью Монтичелли. Его новые картины, созданные в Париже, выполнены в чисто импрессионистической манере и представляют виды Монмартра, окрестностей Парижа («Сады Монмартра», 1887; «Бульвар Клиши», 1887), цветочных композиций, построенных на сочетаниях различных цветовых и фактурных контрастов («Ваза с циниями и геранью», 1887; «Фритилярии в медной вазе», 1887). В это же время им было написано и несколько работ в портретном жанре. Цветовая гамма его парижских полотен становится более светлой, используемые ранее темные серовато-землистые цвета уступают место чистым голубым, золотисто-желтым, красным оттенкам («Мост через Сену», 1887; «Папаша Танги», 1887).
Двадцать три автопортрета, написанных живописцем во время пребывания в Париже, отражают изменчивость его внутренней жизни и неуемную жажду самопознания. Например, «Автопортрет в соломенной шляпе» (1887) проникнут острым чувством тревоги, ощущаемой не только в тоскующем взгляде модели, но и в светлом колорите картины.
Изображая себя то в облике элегантного парижанина, то пастора, то художника («Автопортрет в серой фетровой шляпе», 1887; «Автопортрет в галстуке и сюртуке», 1887; «Автопортрет в голубой куртке с палитрой и мольбертом», 1887), Ван Гог не использует всю полноту цветовой гаммы, а применяет лишь синие, желтые и коричневые оттенки. С помощью такого колорита и выразительной мимики живописец создает образ открытого и легкоранимого человека.
Вскоре шум и суета большого города надоедают Ван Гогу. Они отнимают у него слишком много энергии, поэтому в феврале 1888 г. художник решает переселиться в Арль, вернуться к первоистокам — к земле и тем, кто ее обрабатывает. Спокойная и размеренная жизнь на юге быстро вернула утраченные силы и способствовала полному раскрытию таланта живописца. Именно в Арле завершается формирование неповторимого художественного стиля Ван Гога.
Ощутив небывалый всплеск вдохновения, мастер создает множество картин, контролируя разумом восторженно-чувственное восприятие природы. Он не стремится, как раньше, передать только впечатление от увиденного. Теперь для художника важно изобразить сущность явлений и предметов и собственные, связанные с ними переживания. Парижский опыт помогает ему выработать новую цветовую гамму, имеющую эмоциональное и символическое звучание. Ван Гог использует четкие контуры, упрощающие форму, динамичные мазки, создающие нужный ритм, и пастозную фактуру, передающую весомость и значительность окружающего мира.
Вершиной живописного мастерства Ван Гога принято считать именно те работы, которые были написаны им после переезда в Арль. Огромная, ни с чем не сравнимая жажда творчества, стремление к совершенству и не покидающий живописца страх перед таинственными и темными силами природы воплотились и в ярких пейзажах («Цветущая слива», 1887; «Жатва. Долина Ла-Кро», 1888) , и в композициях, напоминающих фантастические сны («Ночное кафе», 1888). Эти картины наполнены импрессионистическим желанием видеть неуловимую и изменчивую жизнь природы. В видах Роны («Мост Ланглуа», 1888), серии марин, написанных в селении Сент-Мари-сюр-мер неподалеку от Арля («Море в Сент-Мари», 1888), пространство (согласно импрессионистическим законам) передано фрагментарно. Наличие больших зон зеленого и синего цвета и графичность мазка сближают живопись Ван Гога этого периода с искусством японской гравюры.
Главным в пейзажах Ван Гога, выполненных преимущественно в желтых тонах, является солнце. Его краски наполняют зрелые колосья хлеба и подсолнухи, ставшие для художника символом дневного светила («Подсолнухи», 1888; «Сеятель», 1888; «Желтый дом», 1888; «Жнец», 1889). Характерные для прежнего творчества Ван Гога образы крестьян теперь приобретают в его картинах обобщающий характер, олицетворяя созидательное начало мира. Именно с человеком из народа связывает художник свою веру в будущее.
Работая в жанре портрета, живописец делает акцент на внутренней жизни портретируемых. Он изображает свои модели на фоне, лишенном конкретного антуража. Даже в самых драматичных композициях этого жанра присутствует светлое чувство, ощущение радости и красоты жизни, передаваемое художником через сочетание ярких красок и причудливой орнаментальности форм. Таковы автопортреты и изображения простых людей, близких друзей Ван Гога («Арлезианка. Госпожа Жину», 1888; «Почтальон Рулен», 1888).
Художник оживляет не только природу, но и многие предметы. Они тоже наделены способностью чувствовать и выражать ощущения своих владельцев. Таковы уже упомянутое полотно «Ночное кафе» и картина «Спальная художника» (1888), где детали интерьера внушают зрителю мысли о покое и отдыхе.
В Арле Ван Гог попытался воплотить в реальность свою мечту об учреждении ассоциации художников, которая могла бы противостоять хаосу цивилизации, но его попытка не удалась. Крах надежд, возлагаемых на это предприятие, способствовал физическому и духовному надлому, приведшему к обострению психического заболевания. В мае 1889 г. Ван Гог попал в лечебницу для душевнобольных в Арле, откуда через некоторое время был переведен в Сен-Реми, а потом в Овер-сюр-Уаз, где в промежутках между приступами продолжал заниматься творчеством, используя в качестве образца для написания картин репродукции полотен известных мастеров. Эти работы — не копии, а самобытные произведения, переосмысленные и написанные в оригинальной манере художника.
Так, по рисунку Г. Доре Ван Гогом было создано полотно «Прогулка заключенных» (1890), в котором отразилось состояние больного художника: покорность и обреченность. Однако, несмотря на гнетущую атмосферу, именно здесь, в лечебнице, Ван Гог создал поистине космические по своей значимости полотна, наполненные любовью и интересом к земной и воздушной стихиям. В «Звездной ночи» (1889) устремленные в небо кипарисы кажутся похожими на языки огромного костра. Над ними звезды — светящиеся шары, напоминающие солнце. Этот мотив источника света встречается во многих произведениях Ван Гога, и самое раннее из них — «Едоки картофеля».
Безусловно, живопись была для художника спасением от учащавшихся приступов болезни. Он самозабвенно работает над рисунками, изображающими сцены труда и быта крестьян, копирует цикл Ж. Ф. Милле «Времена года». В то же время многие из этих работ вызывают чувство глубокого трагизма и безысходности, что, впрочем, свойственно не всем последним произведениям. Есть и такие холсты, которые были написаны в момент душевного просветления и спокойствия («Куст», 1889; «Доктор Рей», 1889).
Последние два месяца Ван Гог живет в маленькой деревушке под Парижем, где создает различные по эмоциональному настрою картины: чистый и свежий, проникнутый чувством восхищения красотой природы «Пейзаж в Овере после дождя» (1890), трагичный портрет доктора Гаше (1890) и полное мрачных предчувствий полотно «Стая ворон в пшеничном поле».
Закончив работу над последней картиной, измученный приступом депрессии, 29 июля 1890 г. Ван Гог закончил жизнь самоубийством, выстрелив в себя из револьвера.
Поль Гоген
Поль Гоген, французский живописец, скульптор, график, родился в 1848 г. в Париже. Его отец, журналист, умер, когда Гоген был маленьким, поэтому он воспитывался в семье матери, относящейся к влиятельному перуанскому роду. Экзотика природы, пестрота национальных одежд, многоцветье местного колорита и беззаботная жизнь в поместье родного дяди — дона де Тристана в Лиме — были подобны раю, поиском которого Гоген занимался
всю оставшуюся жизнь.
Образование Гоген получил во Франции, в Орлеане, где с 1855 г. учился в школе, мечтая бежать и стать моряком. Позднее, в 1865 г., его мечта осуществляется, и вплоть до 1871 г. будущий художник плавал на морских судах, курсирующих между Европой и Южной Америкой. В 1871 г. он начал работать в банке и женился.
Через некоторое время он стал главой многочисленной семьи, в которой росло пятеро детей. В этот период Гоген увлекается коллекционированием картин. Заинтересовавшись импрессионизмом, пробует писать сам, показывая работы на выставках, устраиваемых художниками-импрессионистами.
Положительные отклики критиков и непреодолимое стремление выразиться в творчестве приводят к тому, что в 1883 г. Гоген оставляет работу в банке и целиком отдается себя живописи. При этом он работает настолько плодотворно, что невольно создается впечатление, будто он стремится наверстать упущенное время. Но если раннее творчество было несколько подражательным, то уже в скором времени он начал создавать яркие и оригинальные
произведения, становясь одним из ведущих художников постимпрессионизма.
Если для импрессионистов источником вдохновения было наблюдение, то для постимпрессионистов важной стала идея, ради воплощения которой они шли на сознательное искажение натуры. Такие качества, как одаренность, огромный творческий потенциал, независимость суждений и властность, сразу определили в Гогене лидера, вокруг которого образовалась группа молодых художников, стремящихся так же, как и он, привнести в живопись новые идеи и принципы. В конце 1880-х гг. они все вместе работают в деревеньке Понт-Авен в Бретани, полагая, что жизнь среди простого народа сможет помочь им познать доселе неизвестные, но в то же время вечные истины бытия. Это объединение получило название понт-авенской школы.
В апреле 1887 г., для того чтобы прокормить свою большую семью, Гоген вынужден был уехать на заработки на Мартинику. Вскоре он нанялся простым рабочим на строительство Панамского канала. Заболев болотной лихорадкой, художник с трудом добрался до Антильских островов, где пробыл несколько месяцев. Вернувшись во Францию, он уже окончательно отошел от импрессионизма и вместе со своими единомышленниками занялся созданием особого стиля, получившего название «клуазонизм».
Стремясь к выразительности, художники понтавенской группы обобщали и упрощали формы, наносили на холст широкий темный контур, заполняя внутреннее пространство ярким цветом. Этот прием пришел в живопись из прикладного искусства — перегородчатой эмали («клуазонизм» — от французского doison — перегородка). В такой манере выполнена картина «Видение после проповеди» (1888). Внешний облик для мастера не столь важен, он всего лишь оболочка, прикрывающая сокровенный смысл явления, а задача художника, по Гогену, состоит в том, чтобы разгадать этот смысл.
Творческие принципы Гогена способствовали сближению с символистами, хотя в его искусстве это несколько иной, цветовой символизм, получивший название «синтетизм». Ярким примером подобной живописи стала картина «Желтый Христос» (1889).
Все это время работы художника остаются невостребованными и покупаются только несколькими ценителями, что отнюдь не улучшает его материального положения.
После провала выставки импрессионистов и синтетиков в кафе «Вольпини» в 1889 г., организаторами которой были Гоген и его единомышленники, художник отправляется на острова Океании с надеждой воплотить здесь свою мечту о золотом веке, о безмятежной жизни в гармонии с природой. К сожалению, этой мечте не суждено было сбыться, но все же мировое искусство обогатилось прекраснейшими картинами, отличающимися звучностью красок.
Время, проведенное на Таити (1891-1893 и 1895-1901) и острове Доминик (1901-1903), стало самым плодотворным для художника. Он с большим мастерством пишет смуглых красавиц среди пышной тропической зелени или на фоне раскаленного песка, розоватый тон которого выгодно оттеняет их золотистые тела («А ты ревнуешь?», 1892; «Таитянская девушка с плодом манго», 1892; «Две таитянские женщины», 1892). Картины, созданные на Таити, отличаются большой яркостью, праздничностью, многоцветьем, подчас напоминая панно. Наиболее показательны в этом отношении работы «Под пандановыми деревьями» (1891), «Чудесный источник» («Сладкие грезы», 1894), в которых отражены легенды маори. В этих произведениях нищий художник воплотил мечту об идеальном и прекрасном мире.
Помимо живописи, на Таити Гоген занимается резьбой по дереву, создавая рельефы и круглую скульптуру с характерной для островной пластики стилизацией под примитив. Используя мощную энергию цветовых пятен (преимущественно желтых, лиловых, зеленых и красных), Гогену удалось проложить дорогу искусству, цель
которого не изобразить увиденное, а выразить его. Именно на Таити художником, ведущим полуголодное существование, были созданы лучшие произведения: «Королева красоты» (1896), «Жена короля» (1896),
«Никогда» (1897), «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?» (1897). В это же время им была написана автобиографическая книга «Ноа-Ноа».
Хотя Гоген надеялся обрести на островах потерянный рай, его и здесь ждало разочарование, болезни и нищета. В 1901 г., оставив Таити, художник переехал на Маркизские острова. Остров Антуана стал его последним пристанищем: в 1903 г. Поль Гоген умер.