Кубизм, одно из самых необычных течений, появился в искусстве в первом десятилетии XX в. Название его восходит к французскому слову cubisme, от cube — куб. Основателями этого течения были французские художники П. Пикассо и Ж. Брак.
Большую роль в появлении кубизма сыграло негритянское искусство (скульптуры, привезенные в Европу). Идею изображения предметов окружающего мира в виде геометрических тел (куб, шар, цилиндр) представители данного направления заимствовали у П. Сезанна. Современники с иронией называли творчество этих художников «искусством кубиков». Действительность в картинах кубистов представала как нагромождение кубов, прямых линий и острых углов.
Основоположники кубизма считали, что непосредственное отражение существующего мира не является целью художника. Он должен сам творить реальность, подчиненную законам искусства. При взгляде на картины кубистов кажется, что живописцы разъединяют обычные предметы на множество деталей, а потом раскладывают их на полотне в другой последовательности. Нередко один и тот же предмет изображается с разных точек зрения. Например, лицо человека может быть расположено одновременно и в профиль, и в анфас.
Цветовая гамма произведений большинства кубистов выдержана в серых, бледно-коричневых, светло-зеленых и блекло-голубых оттенках. Главное изобразительное средство для художников этого направления — не цвет, а линия и плоскость, которая часто представляет собой треугольник. Обычно перспектива в их картинах отсутствует, а если она есть, то имеет совершенно искаженный вид. Излюбленные жанры кубистов — натюрморт, портрет, архитектурный пейзаж.
Кубисты постоянно искали новые выразительные средства для своего искусства. Одним из приемов их творчества был коллаж (от французского collage — наклеивание). Художники наклеивали на свои картины кусочки тканей, газет, обоев, перемежая их с одиночными мазками краски.
Кроме П. Пикассо и Ж. Брака кубизмом увлекались Р. Делоне, позднее обратившийся к абстракционизму, и Ф. Леже. Последний изображал машины, главными деталями которых были цилиндры, людей с шарообразными головами и конечностями, похожими на трубы. В манере кубистов работал в Париже испанский художник Х. Грис, уделявший в своих картинах большое внимание цве¬товым сочетаниям.
Пабло Пикассо
Испанец по происхождению, Пабло Руис-и-Пикассо родился в Малаге в 1881 г. Его первым учителем был отец, преподаватель рисования. В 1895 г. Пикассо поступил в Академию художеств в Барселоне. Уже в своих ранних произведениях, написанных в возрасте 14-15 лет, он проявил себя талантливым художником. В 1897 г. Пикассо сдал экзамены на старший курс Королевской Академии в Мадриде, но вскоре оставил ее и вернулся в Барселону, где вращался в кругах местных художников.
В 1900 г. девятнадцатилетний Пикассо впервые приехал в Париж. Несколько лет он жил то в Париже, то в Барселоне, но в 1904 г. окончательно переехал во французскую столицу. Ранние его работы отмечены влиянием творчества импрессионистов и постимпрессионистов, но очень скоро художник начал искать собственный путь в живописи.
Творчество Пикассо 1901-1904 гг. получило название «голубого» периода. На картинах, созданных в эти годы, изображены неловкие, угловатые человеческие фигуры на синем фоне («Жизнь», 1903; «Старый еврей с мальчиком», 1903). Художник пишет нищих, слепцов, одиноких и бесприютных в этом огромном мире («Старый гитарист», 1903; «Бедняки на берегу моря», 1903; «Ужин слепца», 1903).
Живопись «розового» периода творчества Пикассо (1904-1906) наполняют образы странствующих актеров и акробатов. Теперь в картинах преобладают теплые и светлые краски. Фигуры кажутся удивительно легкими и хрупкими. Такова знаменитая «Девочка на шаре» (1905) а также композиции «Актер» (1904) и «Семья акробатов с обезьяной» (1905). Ощущение печали и одиночества по-прежнему пронизывает картины мастера («Семья бродячих акробатов», 1905).
В 1906 г. художественная манера Пикассо резко меняется. Под влиянием негритянской скульптуры и живописи П. Сезанна он пишет монументальные композиции с тяжеловесными фигурами («Две обнаженные», 1906; «Автопортрет», 1907).
Переход к кубизму наметился в большом полотне Пикассо «Авиньонские девицы» (1907) с угловатыми и искаженными формами. В картинах художника, относящихся к раннему кубизму, изображение дробится на грани и плоскости. Колористическая гамма этих работ состоит главным образом из охристо-серых и зеленоватых оттенков («Даниэль Анри Канвейлер», 1910).
В произведениях 1912-1915 гг. появляются графические символы (надписи, ноты, цифры, рисунки игральных карт), а также элементы коллажа (наклейки из цветной бумаги, газет, афиш, обоев). Таким способом художник пытается отразить реальность в картинах «Композиция с виноградной гроздью и грушей» (1914) и «Моя красавица» (1914).
В середине 1910-х гг. Пикассо использует новый метод — имитацию коллажа с помощью средств живописи. Композиции этого времени отличаются яркими, насыщенными красками («Человек с трубкой», 1915; «Арлекин», 1915). Приемы кубизма Пикассо переносит и в скульптурные работы, создавая конструкции из бросовых материалов, а также в театральные декорации: в 1917 г. художник оформляет спектакль С. Дягилева «Парад».
Знакомство с балетом повлияло на художника, который обращается к изобразительным приемам и сюжетам классического искусства. В конце 1910-х — начале 1920-х гг. он создает ряд портретов, отличающихся почти энгровским изяществом рисунка («Ольга Хохлова», 1917; «Сидящий Арлекин», 1923). Нередко классические мотивы в живописи Пикассо приобретают экспрессивно-деформированные формы. Тяжеловесные, массивные фигуры кажутся разделенными на множество фрагментов («Три женщины у источника», 1921; «Флейта Пана», 1923).
В этот период Пикассо продолжает создавать картины в манере кубистов. Выполненные с помощью ярких цветовых контрастов композиции «Три музыканта» (1921) и «Танец» (1925) создают ощущение громко звучащей джазовой музыки. Героев классической драмы напоминают гипсовые слепки с античных скульптур в картинах «Натюрморт с античной головой» (1925), «Мастерская с гипсовой головой» (1925).
В 1925 г. Пикассо познакомился с сюрреалистами. Их метод отразился в таких его работах, как «Художник и модель» (1926), «Мастерская модистки» (1926), «Большой натюрморт на круглом столе» (1931). В картинах с изображением купальщиц («Сидящая купальщица», 1930; «Фигуры на берегу моря», 1931) появились женщины, напоминающие металлических роботов.
В 1928 г. Пикассо вновь обращается к скульптуре. Этот вид искусства художник не оставляет до самой смерти. Он создает проволочные композиции, собирает фигуры из болтов, гвоздей, обломков старой мебели, корзин, кувшинов, детских игрушек, гофрированного картона.
Значительное место в творчестве Пикассо занимают графические работы. В первой половине 1930-х гг. он создает иллюстрации к «Метаморфозам» Овидия (1930), альбом офортов «Сюита Воллара» (1933), цикл гравюр с изображением Минотавра. В графике Пикассо, соединившей сюжеты античности и современности, реальность и фантазию, отразились размышления мастера об искусстве и художественном творчестве, о сложной связи вымысла с действительностью.
В произведениях Пикассо, исполненных в 1930-х гг., появляются мрачные и трагические ноты, связанные с событиями, происходящими в Европе, а также с личными невзгодами художника. Живописец изображает кровавые драмы корриды («Коррида. Смерть тореро», 1933; «Коррида», 1934). Темная сторона жизни воплощена в образе Минотавра (офорт «Минотавромахия», 1935). В композициях с обнаженными фигурами и портретах преобладают два женских типа — ясный и спокойный образ (Мари Терез Вальтер) и печальный и трагический (Дора Маар). В это время появляется прием, характерный для портретов Пикассо, — совмещение фаса и профиля («Девушка перед зеркалом», 1932; «Сон», 1932; «Мари Терез Вальтер», 1937; «Дора Маар», 1937). Во многих его произведениях 1930-х гг. встречаются одни и те же персонажи, между которыми как будто складываются загадочные отношения.
Самым значительным произведением Пикассо в этот период стало монументальное панно «Герника», предназначенное для испанского павильона Всемирной выставки в 1937 г. (Ныне композиция находится в Центре искусств королевы Софии в Мадриде.) В картине отразилось событие, потрясшее весь мир, — бомбардировка фашистской авиацией испанского города Герники. Художник написал апокалипсическую картину гибели человечества. Многие образы «Герники» — девушка со свечой, плачущая женщина, мать с ребенком, умирающая лошадь — стали символами протеста против военной агрессии. В этом же году Пикассо создал посвященную теме гражданской войны в Испании картину «Мечты и ложь генерала Франко».
Начало Второй мировой войны Пикассо встретил в Париже. В трагичной живописи этого периода преобладают образы смерти и насилия («Натюрморт с бычьим черепом», 1942; «Бойня», 1944-1945).
В 1944 г., после того как Париж был освобожден от фашистов, Пикассо вступил в коммунистическую партию и вошел в Движение сторонников мира. Его послевоенная живопись пронизана радостным и светлым чувством. В картинах преобладают идиллические мотивы, трактованные в примитивистской манере. В 1945-1946 гг. художник работает в Антибе, где расписывает цементные плиты во дворце Гримальди фигурами вакханок, фавнов и кентавров. Крупной работой этих лет стала пасторальная композиция «Радость жизни» (1946). Пацифистские настроения художника отразились в таких произведениях, как «Резня в Корее» (1951) и панно «Война» и «Мир» (1952), предназначенных для Храма мира в Валлорисе.
В позднем творчестве Пикассо большое место занимают литографии и линогравюры. Художник занимается также скульптурой из дерева, листовой жести, работает в области монументального и прикладного искусства, пишет поэтические и драматические произведения.
В конце 1940-х гг. Пикассо подолгу живет на юге Франции, недалеко от Канна. С 1961 г. он больше не приезжает в Париж. В этот период художник создает портреты, пейзажи, пишет интерьеры и фантастические композиции на литературные и театральные сюжеты («Весна», 1956; «Бухта в Канне», 1958; «Утренняя серенада», 1965). Нередко он переосмысливает темы живописи известных мастеров прошлого. Среди подобных работ — «Алжирские женщины» (1954-1955) по произведению Э. Делакруа, «Менины» (1957) по Д. Веласкесу, «Завтрак на траве» (1959-1961) по Э. Мане, «Похищение сабинянок» (1961-1962) по Ж. Л. Давиду, «Турецкая баня» (1968) по Ж. О. Энгру.
В 1955 г. вышел фильм А.-Ж. Клузо «Пикассовское чудо», рассказывающий о художественном методе Пикассо, который работал без предварительной подготовки. Он импровизировал прямо на холсте или бумаге, где в результате соединения линий и цветовых плоскостей рождались образы и формы. В последние годы жизни художник создавал целые серии. Например, им было написано 58 «Менин», похожих на множество фотографических кадров, возникших в результате восприятия художником одной картины — «Менин» Д. Веласкеса.
Умер Пикассо в 1973 г. Большое количество своих картин он подарил барселонскому музею, названному его именем. Часть работ художник завещал Франции. Ныне они хранятся в Музее Пикассо в Париже.
Жорж Брак
Французский живописец Жорж Брак родился в 1882 г. в Аржантёе-сюр-Сене. В 1897-1899 гг. он учился в Гавре в Школе изящных искусств, затем в Париже в академии Эмбера и Школе изящных искусств. В 1905 г. художник сблизился с фовистами. В его пейзажах, написанных в 1905-1907 гг., чувствуется влияние А. Дерена и А. Матисса. В гамме ярких и чистых оттенков исполнены прекрасные виды гаваней и морских заливов Брака.
Одной из лучших картин художника этого периода является «Антверпенский порт» (1906), написанный в Бельгии, куда Брак ездил вместе с фовистом О. Фриезом. Хотя основную выразительную функцию в этом пейзаже выполняет рисунок, колорит также играет важную роль. Насыщенные зеленые и красные цвета причала, кораблей, лодок, розово-сиреневые оттенки неба создают ощущение теплого и солнечного летнего дня.
В 1907 г. Брак сблизился с П. Пикассо. Вместе они создали изобразительный метод, ставший основой нового направления — кубизма. Из пейзажей Брака исчезает небо, воздух; плоскостным становится пространство. В картине «Дома в Эстаке» (1908) городские постройки напоминают разнообразные геометрические тела.
В 1909-1911 гг. Брак пишет картины, в которых предметы и фигуры кажутся разделенными на подвижные призматические грани («Скрипка и палитра», 1909-1910; «Женщина с мандолиной», 1910). Цветовая гамма этих работ состоит из серых, охристых, блекло-зеленых оттенков.
В 1912-1914 гг., как и Пикассо, Брак вводит в свои композиции элементы коллажа (куски газет, обоев, клеенки), а в краску добавляет песок, опилки, металлическую стружку. В картинах появляются графические знаки (надписи, ноты, цифры). В такой манере написаны композиции «Вальс» (1912), «Бокал, скрипка и нотная тетрадь» (1913), «Гитарист» (1914).
В начале Первой мировой войны Брака отправляют на фронт. В мае 1915 г. он получает тяжелое ранение в голову. К живописи художник смог вернуться только в 1917 г. Он вновь пишет пейзажи, но теперь рисунок становится более плавным и мягким, а колорит — изысканным и сдержанным. Свет, заполняющий пространство полотен, делает краски прозрачными и мерцающими. Такова картина «Баркасы на пляже» (1929), глядя на которую можно узнать черты северного побережья Франции с его песчаными отмелями и высокими утесами. Плавные контуры и тончайшие градации серо-синих и розовых оттенков придают пейзажу свежесть и очарование. В то же время черные и темно-синие краски моря, неба и земли вносят в пейзаж драматическую напряженность. В подобной манере художник пишет серии натюрмортов («Натюрморты на круглом столе», 1918-1942; «Камины», 1922-1927; «Биллиарды», 1944-1952).
С 1931 г. Брак живет в Варанжвиле и в Париже, время от времени совершая поездки по странам Европы. Помимо натюрмортов, он создает композиции с человеческими фигурами на фоне интерьера («Женщина с мандолиной», 1937; «Художник и модель», 1939). Натюрморты Брака, созданные в годы Второй мировой войны, наполнены символикой, придающей изображению трагическое звучание («Графин и рыбы», 1941; «Натюрморт с лестницей», 1943).
В 1849-1956 гг. художник исполнил серию «Мастерских». В нее вошло восемь крупноформатных монументальных композиций. Это натюрморты с изображением атрибутов искусства. Белая птица в полотнах «Мастерская II» (1949), «Мастерская III» (1949-1951) , «Мастерская IX» (1952-1956) стала символом творческого полета художника.
Образ птицы появляется в живописных и графических работах Брака как самостоятельный мотив («Птица и гнездо», 1955; «Черные птицы», 1956-1957; «Расправив крылья», 1956-1961).
В пейзажных композициях последнего периода творчества художника звучат печальные ноты. Ярким примером служит одна из последних картин «Марина. Непогода» (1959), изображающая море и берег, почти скрытые в темной пелене дождя. Светлыми пятнами выделяется лишь желтый песок на берегу. Монотонность и одиночество пустынных морских берегов, полей и равнин подчеркивают горизонтально вытянутые форматы («Морской пляж. Варанжвиль», 1952; «Равнина», 1955; «Лодка», 1960).
Мастерство Брака проявилось не только в гравюре и живописи, но и в книжной иллюстрации, скульптуре, сценографии.
Умер художник в 1963 г. в Париже.