Многие исследователи полагают, что истоки романтизма находятся именно в английском искусстве с его классицистической эстетикой и традициями пейзажной живописи. Если творчеству немецких романтиков был присущ мистицизм, взятый из таинственных легенд и народных сказаний, то романтическое изобразительное искусство Англии имело совершенно иные черты. В пейзажном творчестве английских мастеров романтический пафос соединился с элементами реалистической живописи.
Крупнейшими представителями романтического пейзажа в Англии были Дж. Констебл и Дж. М. У. Тёрнер.
Джон Констебл
Джон Констебл родился в 1776 г. в семье мельника в Суффолке. В 1795 г. он отправился в Лондон, чтобы получить образование. Однако вскоре юноша вынужден был вернуться на родину, чтобы помогать отцу на мельнице. Свою учебу он смог продолжить лишь в 1799 г. С этого времени Констебл обучается в школе, открытой при Королевской академии. Здесь будущий мастер живописи приобретает навыки в технике рисования. Неповторимый стиль художника и его творческий метод сложился во многом благодаря знакомству с произведениями К. Лоррена, Р. Уилсона и Т. Гейнсборо. Однако картины природы, созданные Констеблом, ни в коей мере не повторяют полотен вышеназванных художников.
Стремясь создать неповторимые и выразительные пейзажи, живописец внимательно наблюдает за состояниями природы, за миром, который его окружает. На полотне Констебл не только изображает реальный пейзаж, но и стремится выразить свое отношение к природе родной страны. Его интересуют только английские ландшафты, именно поэтому он не путешествует по Италии и другим странам мира, как это делали многие художники, а старается внимательно изучить жизнь родного городка и английской столицы.
В работах Констебла представлены картины из жизни простого народа и самые обычные сельские виды, в связи с чем сам художник не раз говорил о том, что его произведения не предназначены для аристократии. Английскую знать совершенно не интересуют рыбаки, пахари и мельники, а также все то, что окружает простой народ.
Художник прекрасно понимал, что полотна, отражающие жизнь простонародья, не могут принести ему официального признания среди леди и джентльменов. Интересна история избрания худож¬ника в Академию. В 1892 г. Констеблу присвоили звание акаде¬мика, которое было утверждено в ходе голосования с перевесом в пользу художника всего в один голос. И это несмотря на то, что к 1892 г. живописец создал множество произведений, безоговороч¬но подтверждавших его талант и мастерство.
Большой интерес вызывают созданные в период до 1829 г. полотна «Собор в Солсбери из сада епископа» (1823), «Хлебное поле» (1826), «Хижина среди хлебного поля» (исследователи относят время его написания к 1832 г.), «Вид на Хайгет с Хэмпстедских холмов» (ок. 1834).
Первые две картины исполнены в несколько академичной манере. Мир природы кажется необыкновенно торжественным и величественным, он как бы отдален от человека. Пейзаж на полотне «Хлебное поле» более всего приближен к реальности. Здесь показаны картины природы родных художнику окрестностей Суффолка: тропинка, прячущаяся в кустарнике и бегущая к золотистому полю; стадо овец; маленький пастушок в ярко-красном жилете, жадно пьющий воду.
Тем же радостным настроением и ощущением единения человека и природы проникнута другая работа Констебла — полотно «Хижина среди хлебного поля». Центральное место в композиции отведено изображению небольшой хижины, со всех сторон окруженной желтой спеющей пшеницей. Этот маленький домик, привязанный к изгороди ослик, птичка, прячущаяся в траве, олицетворяют человеческое счастье, земной рай.
Небольшие по размеру пейзажные работы Констебла очень похожи на этюды с натуры. Для художника важным оказывается не просто передать точное сходство того или иного предмета или фигуры, а отобразить определенное состояние природы в конкретный момент времени. Именно это свойственно картинам «Хижина среди хлебного поля», «Вид на Хайгет с Хэмпстедских холмов», «Морской берег. Бурная погода» (1827), «Пруд возле Бранч-Хил, Хэмпстед» (приблизительно 1821-1827) , «Вид с Хэмпстеда в восточном направлении» (1823), «Пляж в Брайтоне и угольщики» (1824). Подобные композиции Констебла необычайно динамичны и полны драматизма.
Особое внимание в пейзажах художник уделяет изображению неба. Констебл является автором термина, обозначающего этот «вид» творческой работы: рисование неба — скайинг (от английского sky — небо). Краски неба переданы необычайно свежими, сочны¬ми и насыщенными тонами. Создается впечатление, будто бы кусочек настоящего неба был вырезан, перенесен и приклеен на холст, настолько реалистично пишет художник картины природы. Причем небо у Констебла, в отличие от Дж. Котмена и Дж. Крома, динамично и подвижно. Этот эффект достигается благодаря использованию живописцем разнообразных цветовых оттенков, которые мягко сменяют друг друга, и изображению белых облаков, разбросанных на серовато-синем или прозрачно-голубом фоне.
Вершиной творчества художника стали полотна больших размеров, созданные в 20-е гг. XIX столетия. Иногда к подобным картинам мастер предварительно готовил эскиз. Сохранились эскизы к композициям «Телега для сена», «На реке Стур», «Прыгающая лошадь». Они являются отражением творческих поисков художника, его стремления найти такой способ художественного изображения действительности, который помог бы точнее выразить замысел и реалистично передать картину мира природы и людей.
Монументальные композиции Констебла («Телега для сена», 1821; «На реке Стур», 1822; «Прыгающая лошадь», 1825; «Вид на собор в Солсбери с реки», приблизительно 1827-1829) не произвели должного впечатления на английскую публику. Однако они по достоинству были оценены современниками художника за рубежом, в частности во Франции и России.
Джон Констебл скончался в 1837 г.
Творчество знаменитого английского пейзажиста оказало большое влияние на формирование художественно-изобразительного метода импрессионистов и мастеров барбизонской школы, которые так же, как и Констебл, стремились отразить на полотне изменчивость состояний природы. Хотя живопись Констебла реалистична и правдива, исследователи причисляют художника к романтикам, настолько в его творчестве ярко выражено стремление искренне передать свои чувства и впечатления от увиденного, а также желание показать духовно свободного человека, составляющего единое целое с миром природы.
Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер
Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер, знаменитый живописец-романтик, мастер рисунка и гравюры, родился в 1775 г. в Лондоне в семье цирюльника. Первые уроки живописи юный художник брал у Томаса Молтона, славившегося небольшими рисунками с изображениями архитектурных городских построек.
В период с 1789 по 1793 г. Тёрнер учился в школе Королевской академии. Уже в 1790 г., когда юноше исполнилось 15 лет, при художественной школе была организована первая выставка молодого мастера. Здесь он представил свои лучшие акварельные работы. Выставка прошла успешно. Академики заметили талантливого живописца и по достоинству оценили его произведения.
Спустя еще несколько лет, в 1809 г., Тёрнеру было присвоено звание академика, даже несмотря на то, что молодой человек абсолютно не интересовался науками и уж тем более теорией живописи. В течение 60 лет начиная с 1790 г. Тёрнер постоянно участвовал в выставках, проводимых Королевской академией.
На формирование художественного стиля Тёрнера большое влияние оказали работы К. Лоррена, Р. Уилсона, Т. Гертина и произведения художников-маринистов. В отличие от Дж. Констебла он много путешествовал по различным странам мира: в разные годы был во Франции, Швейцарии, Голландии, Германии, Бельгии и, конечно же, Италии — центре мирового искусства.
Одной из самых ранних работ, заслуживающих пристального внимания, является полотно «Мол в Кале», созданное в период с 1802 по 1803 г. Несмотря на то что полное название картины («Мол в Кале. Французские рыбаки готовятся выйти в море. Подходит английский пакетбот») подразумевает условное разделение художественного повествования на несколько частей, на самом деле этого не происходит. Композиция отражающает разные стороны жизни людей и природы. На картине изображены рыбаки, занимающиеся привычным будничным трудом; небо с тяжелыми тучами; паруса, наполненные ветром.
Подобный сюжет характерен для изобразительного искусства голландцев. Однако стиль Тёрнера отличается от манеры голландских художников-маринистов. Если у последних пейзаж всегда выдержан в одной тональности, то английский живописец строит свое произведение на сложных цветовых переходах: от светло-голубых, красных и белых до тонких оттенков серовато-синего и бежево-коричневого. Именно с помощью необыкновенно разнообразной по тональности гаммы художник изображает мощь и силу природной стихии.
Еще более выразительна композиция «Кораблекрушение», созданная в 1805 г. Как бы сопротивляясь урагану, морские волны стремятся назад от берега. Напряженность стихии передается и людям, находящимся на тонущем корабле и в лодках. Необычайный динамизм и экспрессия создаются с помощью ярких красок, контрастно сочетающихся друг с другом: белых и черных, теплых (красных, желтых) и холодных (серых, синих, голубых).
В 1807 г. Тёрнер совершил путешествие по рекам Англии. Именно в это время были созданы этюды с натуры «Виндзор от Лауер-Хоуп» и «Виндзор, верхушки деревьев и небо». Эти произведения выполнены в манере Дж. Констебла. Однако этюды с натуры не являются частым жанром в творчестве Тёрнера. Обычно во время своих странствий он делал небольшие зарисовки и наброски. И уже из заготовленных ранее рисунков составлял большую композицию. Именно из таких набросков появились полотна, посвященные природе Швейцарии.
Излюбленным мотивом произведений Тёрнера является торжествующая стихия. Даже тогда, когда художник изображает природу в состоянии полного покоя, композиции создают впечатление полной победы света или мрака. Ярким примером является полотно «Морозное утро», написанное в 1813 г. Сюжет композиции предельно прост. В картине показано состояние природы в определенное время года (зима) и суток (утро). Несмотря на кажущуюся простоту, картина необычайно выразительна. Высокое прозрачно-голубое небо, земля, покрытая изморозью и тонкой пеленой тумана, — все призвано передать величие и красоту природы. Высшей похвалой мастерства Тёрнера стало признание картины лучшей среди композиций, представленных на выставке Королевской академии, которая проходила в 1813 г.
Пейзажи занимают главное место в творчестве Тёрнера. Они же становятся своеобразным фоном для картин, основанных на мифологических и библейских легендах. Картины природы становятся действующими персонажами. Они помогают зрителю понять смысл общей композиции, раскрывают творческий замысел художника. Наибольший интерес среди подобных картин представляют «Ганнибал, пересекающий Альпы в метель» (1819) и «Улисс и Полифем» (1828-1829). В первом произведении автор проводит параллель между бушующей стихией и столь же бурно развивающейся историей человечества. В «Улиссе и Полифеме» художник, показывая восход солнца, выражает мысль о победе света над сумраком, добра над злом.
Интересна история создания Тёрнером полотна «Последний рейс корабля «Отважный», работа над которым была завершена в 1838 г. Как-то раз, находясь на берегу Темзы, художник увидел, как буксир тянет за собой старый и разбитый пароход «Отважный», который когда-то был участником Трафальгарской битвы.
Эта картина произвела на живописца настолько сильное впечатление, что он решил запечатлеть ее на полотне. Вскоре была создана необычайно выразительная композиция, изображающая последний путь старого парохода. Ведомый буксиром, он движется по реке медленно и важно, будто старый ветеран проходит вдоль строя солдат-новобранцев. Композиция написана яркими и сочными красками, что придает ей еще большую экспрессию.
В поздних работах художник часто использует сложную цветовую гамму. Разнообразием оттенков отличаются его «Вечерняя звезда» (1840) и полотно «Похороны Уилки на корабле» (1842), повествующее о последнем прощании с умершим английским живописцем Дэвидом Уилки.
В 40-е гг. XIX в. в творчестве художника наступает кризис. Наиболее ярко этот период в искусстве Тёрнера представляет картина «Невольничий корабль», созданная в 1840 г. На полотне изображено темное, полное акул, бушующее море, поглощающее тела больных негров-рабов, выброшенных за борт. Ужас перед реально происходившим событием рождает необычные, мистические образы.
Стремительный динамизм и высокая патетика композиций Тёрнера, написанных до 1840-х гг., сменяется теперь
картинами хаоса, застывшего и необратимого. Таким является полотно «Метель. Остов корабля и рыбачья лодка», написанное в 1842 г.
Картины, исполненные мастером в последние годы жизни, рождают у зрителя мрачные и угнетающие настроения, создавая впечатление приближения чего-то громадного, мощного и страшного. Однако, с другой стороны, в произведениях Тёрнера все чаще звучат нотки смирения и растерянности. Кажется, что человек в его картинах по-
степенно отступает перед силами природы. Художник очень редко использует теперь резкие линии и яркие краски. Образы на полотнах подобны сказочным миражам, то исчезающим, то появляющимся вновь. Наиболее показательным для данного периода творчества мастера является полотно «Дождь, пар и скорость», написанное в 1844 г. Автор изображает в нем стремительно движущийся вперед среди дождя и клубов пара поезд, как будто пытающийся победить природу, поставившую на его пути невидимую преграду.
Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер скончался в 1851 г.
Творчество знаменитого английского мастера во многом противоречиво. Среди написанных им работ большинство представляет истинную ценность, отражает мастерство художника, стремившегося реалистично и в то же время романтически возвышенно отобразить окружающий его мир. Искусство Тёрнера до сих пор является предметом спора многих исследователей, часть которых считает художника основоположником некоторых современных направлений в европейской живописи.
С романтизмом тесно связано творчество английских прерафаэлитов. В 1848 г. по инициативе художника Д. Г. Россетти было основано «Братство прерафаэлитов», литературно-художественное объединение, в которое вошли Д. Э. Миллес, У. Х. Хант, У. М. Россетти, Ф. Дж. Стефенс, У. Моррис и др. Близок прерафаэлитам и романтик Ф. М. Браун. Термин «прерафаэлиты» происходит от латинского prae (перед) и итальянского Rafael (Рафаэль). В своем творчестве представители «Братства» обращались к эстетическим идеалам искусства поздней готики и Раннего Возрождения (т. е. до Рафаэля).
Хотя объединение просуществовало всего четыре года, его принципы и идеи длительное время оказывали влияние на английских художников, скульпторов, литераторов второй половины XIX в.
Представители «Братства» обращались к творчеству Фра Анджелико, С. Боттичели, Ф. Липпи, стараясь вернуть к жизни христианские идеалы средневекового искусства. Работы прерафаэлитов отличаются такими чертами, как орнаментальность, декоративность, стилизация, натурализм и мистицизм.
Творчество прерафаэлитов многообразно. Они писали картины, иллюстрировали книги, создавали эскизы для тканей. Большинство их романтических образов выполнено с натуры. Обычно художники сами позировали друг другу, надевая костюмы времен Средневековья. Нередко роль модели выполняла жена У. Морриса, отличавшаяся своеобразной, утонченной красотой.
Картины многих прерафаэлитов отличались дилетантизмом, слабым рисунком, неправильностью пропорций человеческих фигур, неумелостью композиционного построения. В то же время их живопись привлекала зрителей своими романтическими образами, немного наивной искренностью и той смелостью, с которой они противостояли официальному академическому искусству.
Значительной фигурой в «Братстве» был Д. Г. Россетти, поэт, живописец, график.
Данте Габриэле Россетти
Данте Габриэле Россетти родился в 1828 г. в Лондоне в семье итальянского эмигранта.
Учился в Королевской академии художеств, но курса не завершил. Некоторое время брал уроки у Ф. М. Брауна. Так же, как и остальные прерафаэлиты, увлекался искусством готики и Раннего Возрождения.
Большая часть произведений Россетти связана с образом его подруги Э. Сиддал, которая позднее стала женой художника. Эта женщина для многих прерафаэлитов являлась идеалом женской красоты. Ее лицо можно увидеть на
многих полотнах Россетти, посвященных библейской тематике и сюжетам средневековых легенд («Благовещение», 1850).
Чаще всего художник выстраивает композицию своих произведений таким образом, что на переднем плане оказывается несколько человеческих фигур, а на заднем — фантастические образы и символические предметы, составляющие фон. Кажется, что выхваченные из реальной жизни персонажи и детали быта, соединяясь с изображениями дальних планов, приобретают черты грезы, зыбкого миража, рожденного воображением автора («Детство Марии», 1850; «Напев семи башен», 1850-е; «Брак Св. Георгия и принцессы Сабры», 1857).
Загадка, скрывающаяся в образах Россетти, таинственный глубинный смысл его работ позднее привлек к творчеству этого живописца художников-символистов. Герои Россетти неподвижны и молчаливы, они словно погружены в сон или глубокое раздумье. Однако их взгляды и жесты говорят о чувствах и эмоциях, скрываемых под внешним спокойствием и холодностью.
Для Россетти важнейшее средство выразительности — это линия. С помощью плавных, изящных или изломанных, неровных контуров он создает эмоциональные, утонченные образы. Картинам Россетти свойственна локальность цвета, отсутствие светотеневых эффектов. Пространство на полотнах нередко заполнено причудливыми орнаментальными мотивами, придающими картинам черты декоративного искусства.
В произведениях Россетти нет натурализма, характерного для работ других прерафаэлитов. Его живопись отличает стремление к монументальности, ярко выразившееся в росписях здания Дискуссионного клуба Оксфордского университета, над которыми Россетти работал в 1857 г. вместе с другими мастерами.
Большое место в творчестве Россетти занимают иллюстрации к литературным произведениям (стихи А. Теннисона, 1857; «Божественная комедия» Данте, 1865). Современники восхищались изящным оформлением переплетов книг, над которыми работал Россетти.
Смерть горячо любимой жены в 1862 г. повергла художника в глубокое горе. С этого времени Россетти начинает создавать в основном идеализированные женские образы. Последний портрет умершей Э. Сиддал представляет ее зрителю в облике Беатриче («Beata Beatrix», 1863-1864). Поэзией веет от поздних работы художника («Дневные мечты», 1880).
Умер Россетти в 1882 г. в Бирмингеме.
Ярким представителем искусства прерафаэлитов был Дж. Э. Миллес, живописец и график.
Джон Эверетт Миллес
Джон Эверетт Миллес родился в 1829 г. Саутгемптоне. Талант к рисованию проявился в нем так рано, что уже в возрасте 11 лет Миллес был принят в Королевскую академию художеств.
На формирование индивидуального стиля Миллеса большое влияние оказало английское средневековое искусство и живопись Раннего Возрождения. Подобно мастерам Средневековья, Миллес очень тщательно выписывает все детали на своих полотнах. Как и других прерафаэлитов, его мало интересует передача световоздушной среды и колористическое совершенство. Ранним произведениям Миллеса свойственна глубокая эмоциональность, нередко граничащая с сентиментальностью. В такой манере исполнены «Плотничья мастерская» («Христос в доме родителей», 1850), «Лоренцо и Изабелла» (1849). Эти же черты присутствуют и в его знаменитой «Офелии» (1852). Утонувшую Офелию Миллес писал с жены Д. Г. Россетти Э. Сиддал, которой пришлось в костюме шекспировской героини погрузиться в ванну. «Офелия», ставшая ярким воплощением всего искусства прерафаэлитов, была представлена в 1855 г. на Всемирной выставке в Париже, где имела огромный успех у публики.
В 1850-е гг. Миллес занимался книжным иллюстрированием. Одной из лучших его работ в этой области стала трогательная и поэтичная серия рисунков к «Кануну дня Св. Агнессы» А. Теннисона.
В середине 1850-х гг. Миллес порвал с «Братством прерафаэлитов». С этого момента в его творчестве преобладающими стали присущие академизму черты напыщенной театральности и слащавости. В 1885 г. художник получил титул баронета. В 1896 г. Миллес стал президентом Академии. В этом же году английский художник скончался.